编曲知识集锦（精品必读）

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& h  y3 y, a! ?% `1 P各种情绪的管弦乐编曲手法
5 j5 R% L8 h  s7 h. F作者：飞鹏
0 m$ K4 o  a" b管弦乐队的写作及编配手法经过了多年的发展，已经非常成熟。作曲大师在需要表现某种特定的情绪时，可以非常熟悉地运用相应的乐器搭配、和声功能、力度变化等手法来表现相应的情绪，完全可以达到顺手拈来、驾驭自如的境界。对于刚刚开始管弦作品的制作来说，因为成为大师胡一个过程，所以必须在音乐制作的过程中注意积累，及时总结出一引起常用、衫的音乐表现手法，很好地通过音乐向听众传达相应的情感。
由于每个人对音乐的理解都有其独特之处，不可能象套数学公式那样，对应一种作品情绪就有一种具体的表现手法。但我们可以适当总结出一些有共性的东西。比方说，可以参考其他音乐人对某一种情绪的理解及所运用的手法，将其中有共性的内容加入到自己的作品之中，丰富自己的作品内容；或者从模仿他人的音乐手法入手，逐渐形成自己的独特表现手法。
" T" R0 v  S0 @0 ^  O+ c2 [下面的内容誻对应一部分音乐情绪，总结出来的一些表现手法。大家可以在需要灵感的时候，适当参考其中的内容。可以把这部分内容视作编曲情绪速查手册。当然，对于我们大家来说，更重要的是经常总结自己的音乐制作体会，拥有一套自己的“情绪表现手法速查手册”。
一、    宽音域气势磅礴的作品
1、让每个乐器组都参与演奏，让每个音区都充满音符，同时注意音响平衡。
, H( [! G. b' V+ l2、通过叠奏来加强声音的厚度与密度。
$ c1 U' M) F& Q3 _! R7 i" u- }# w3、在小号组及长号组使用三音符的完整和弦。
% O& k! }  M' r1 C! ^( z2 J9 B4、充分利用整个管弦乐队的音域，从最低音到最高音都不要放过。
5、尽量发挥打击乐器的动态，特别是低音鼓、定音鼓及钹。
6、通过多种乐器的叠奏来突出旋律线条。
7、使用极强乃至最强的力度。
8 x4 N$ q9 O; {. n- E   
  J. V6 s5 L$ F( U0 i$ ?3 r二、    含蓄的作品
* E. e  z* c$ y! C, Q) b1、使用适当的音域范围，通常不需要使用管弦乐队的全部音域。
7 z6 \& X+ J; {  g2、对于旋律乐器的选用，在弦乐组可以使用小提琴独奏、中提琴独奏或大提琴，在木管组可以使用长笛独奏或单簧管独奏，双簧管或英国管也是不错的选择。不过这两傂适合表现忧郁、悲伤的情绪。也可以用圆号来担任旋律的演奏。
6 S$ A% z' @) y- E. I- s7 ?7 A3、不重复或少重复和弦音。
# r& h% P+ c+ b9 k; i4、使用密集的和弦排列方式。
5、少用或不用倍大提琴，通常使用大提琴本身就可以获得很好的效果。
7 f: h+ _' d' G) f) a9 m6、除了圆号，少用或不用其它的铜管乐器。
& M; }) p) A7 N5 W3 F7、使用中弱或极弱力度。
2 e. C: m+ K! w% t; W* i8．在实际演奏过程中使用较小的乐队编制，特别是要适当控制弦乐组的规模。
三、紧张的作品
1、使用多种和声色彩，特别是可以加入各种不谐和的和声效果，营造紧张情绪。
) s) t4 ?3 }4 O7 _+ U" c2、运用持续的弦乐颤音。
6 Z7 t: e, L- y! @3、保持一个持续的音符不变，然后在其上方另外增加一个小二度的持续音，让新增加的这个持续音从上方小二度下滑到下方小二度，再回到与第一个音符相同的音高。
6、和弦功能的切换频率适中稍速慢，不要过于频繁。
3 Z) p" v0 W$ c7、可以使用类似4分音符同音反复这样的音型，特别是低音弦乐及定音鼓
8、使用幽暗的音色。
四、激动的作品
1、在低音区使用各种基本节奏型，特别是铜管乐器。
  \* r% B6 j( f: V/ Z3 S4 T+ L2、在乐曲进行中改变拍号，可以从偶数拍变化为奇数拍，然后再回到偶数拍。
9 X( u* D; u" o+ o4 J, J3、使用切分等带有明显强弱感的节奏。
4、可用8分音符或16分音符的同音反复。
5、对于铜管乐器可以使用突强奏法，可以视情况加弱音器。
五、绝望的作品
1、让定音鼓慢速奏出4分音符的固定音形，可以让大提琴、低音提琴及较弱的低音鼓与其进行叠奏。
2、让单簧管在其中音区奏出不和谐的全音符。
& s( c5 R6 M/ F* a$ u" w3、运用钹及大锣音色。
( r9 C6 @6 C5 ~3 F5 ^4 v- z- v4、用平直的弦乐单声（无颤音）悬在其他声部的上方。
8 f  Z7 Q: x. c  N/ z5、推荐使用双簧管或英国管担任旋律声部的演奏。
六．辽阔的作品
1、采用开放的和弦的排列方式。
2、保证在极低音区与极高音区安排足够的音乐内容，同时在中音区做简单填空。
3、让第一小提琴与第二小提琴用平直的单音做八度叠奏。
1 y3 n3 s" W5 g/ g4、适当运用钹及锣的滚奏，同时加上比较夸张的混响，混响中应该包含更多的湿信号。
七、军队进行的作品
1、运用节奏感很强的固定音型，突出低音弦乐及长号。
4 W: v" [: _! X4 E! o* ?2、小军鼓的固定音型与低音弦乐及长号保持一致。
. B- o' M" F& b3、低音鼓突出每小节的第一拍和第三拍。
4、3支小号通常以齐奏的方式，奏出号角般的声响。
5、让单簧管和双簧管以齐奏的方式演奏副旋律。
6、让小提琴演奏旋律或流动的琵音，并适当用长笛及双簧管与小提琴进行叠奏。
八、梦幻般意境的作品
, S* H0 q$ V- Q& U  s; P0 ^1、运用缓慢的竖琴滑奏及琵音。
0 G# E/ c! `: m3 }$ ]2、使用较为轻快的乐器编制，通常使用木管及弦乐就足够了，不要加入铜管。
3．让高音区的弦乐适时奏出大二度的颤音。
5 Z) n- D% w  X7 V3 h! j4、使用较少的声部进行伴奏，旋律应该缓慢，体现梦幻般的效果，有的情况下省略旋律也可以。
  v2 L/ [+ D0 y/ q, H  R$ N, N5、让长笛担任旋律或副旋律的演奏；也可以让圆号演奏旋律。
% b0 y% {9 N2 {$ L- z# E九、超自然、黑暗、魔幻的作品
7 V/ b: _% x; q3 I; V1、用低音弦乐奏出固定音型。
9 J$ \+ t' k* Q2、运用不和谐甚至剌耳的和弦及调式，例如可以用小调式，并加入相应的增和弦、减和弦。
# I! B$ y3 n. ^1 S+ H, n3、可以运用无调性的音乐手法，任意使用十二个半音。
4、在极低音区适时加入突强的长号，并采用密集的和弦排列方式。
- t, t% R) u& d$ c    5、运用相应的打击乐器来烘托气氛，例如，锣、定音鼓等。
    十、神秘、可疑的作品
    1、使用中弱及弱的力度。
; K3 U' |, v3 [- V8 |) G2、使用突然的力度变化，例如在铜管组可以使用突强力度。
7 `; Y1 s8 b: e9 f  Z* Y3、用弱音小号缓慢奏出渐强的效果。
4、让定音鼓、低音鼓及低音弦乐奏出固定音型。
5、让高音弦乐从平直的齐奏变化到不和谐的和弦演奏。
6、让所有的乐器突然休止，只留下高音区的弦乐继续发音，弦乐使用平直的声音，不加入颤音。
  Q7 C* V! {. |8 H; W3 `/ R十一、忧伤的作品
1、以弦乐声部为主进行编配。
5 W) P# `+ }  W2 n4 q2、使用小调式。
3、使用较小的力度。
$ C, q% l8 M. [% d+ B* n4、除了圆号演奏的和弦声部，不要使用其他铜管乐器。
  A% n# F7 d" O* b" \, }. \" L5、除了必要的钹滚奏等成份，不要使用其他打击乐器，尤其还要使用定音鼓。
. r% J& Y# h9 H- R) Y+ J6、可以使用长笛、单簧管、双簧管及英国管来演奏旋律或副旋律。
3 ^& T0 q6 {6 c9 @7、使用密集的和弦排列方式，同时每个乐器组占用的音区应有所控制。
8、运用加了弱音器的弦乐音色会有很好的表现。
十二、幽默的作品
1 ^+ {  P+ h- L  P4 g8 p1、使用以下乐器音色在极高或极低音区独奏：大管、英国管、弱音小号或长号。其中，弱音小号特别管用。
* g, ]4 Q* q' v0 {2、加入一些特别的打击乐器声响，如木琴、梆子等。像口哨之类的特殊音色也可以使用。
/ w1 ]& i2 t: w& k( n- r3、使用较快的速度，让高音弦乐演奏琵音或16分音符跑动。
& Q( C' Q, q& M/ [2 K7 E# Y4、使用鲜明的节奏，同时让乐器组之间或乐器之间进行对位。
0 H. d. S" \8 Z' {十三、宽广的作品
1、让持续不断的连绵旋律从中音区上行到高音区。
2、使用圆号齐奏的方式演奏旋律。
3、在和声进行中引入降七级和弦（在C大调中，降七级和弦是bB和弦）。
- H; e+ V( h" A/ @  i. f* a/ J/ m4、运用丰富的弦乐伴奏。
5、除了钹及定音鼓，少用其他打击乐器。
) T! Q; X- j9 k6、可以让圆号进行和弦伴奏，特别是可以用响亮的圆号引出乐曲主题。

[ 本帖最后由 山野雪人 于 2008-6-8 07:03 编辑 ]

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初学混音必须掌握的公式
先做一个简单的练习：闭上眼睛，代上耳机，放一首你最熟悉的流行歌曲，仔细听每个鼓件、乐器的位置：底鼓（bass drum/kick drum)？正中间；军鼓（snare drum)？差不多，也在中间；贝斯？在中间；钢琴？低音在左边，高音在右边，就好象你正坐在钢琴旁弹奏一样……
7 I* L5 B9 _/ `+ Y. J# Q
5 |3 o% c$ x, r是的，大多数混音师是从听众或演奏者的角度来摆放乐器位置的。我喜欢从演奏者的角度来混音：
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一.鼓和贝斯：在一首流行或摇滚歌曲里，底鼓、军鼓、贝斯构成了歌曲的感觉、风格，是除了主唱外最显著的部分。
; y8 ?/ ]4 N+ h# i3 b3 b
9 ]: n4 @. o- a: t  `0 j5 `2 G我们先从底鼓开始吧，音量调到-3db（从立体声总输出看）。如果需要一些冲劲可以在用均衡器在2.5khz提升一点；如果听起来有些发闷可以在300hz衰减一点。

& R! j' ]. ~( t3 D5 V接下来调节贝斯，逐渐提升音量直到与底鼓融为一体，听起来就好像在你的胸腔上敲打一样。现在该加入军鼓了，音量接近但不要超过底鼓、贝斯。加一点板式或房间混响（plate or room reverb），延迟时间可以设为1秒。加入桶鼓（tom）、钹（cymbal），调节声像：钹1、高音桶鼓（high tom）都放在左边，中音桶鼓（mid tom）放在中间，钹2、低音桶鼓（floor tom）放在右边。如果你的桶鼓听起来象在敲纸板箱，可以用均衡在低音区提升一点、在300-500hz衰减一点、在高端提升一点增加啪啪声。对于钗（hi-hat），我通常不作过多的处理，它往往可以自恰于音乐中。

二.其他乐器：鼓和贝斯调好后，就可以加入其他乐器了。

6 b6 x1 `3 K4 I电吉他：声像放在靠近最左面，加一个短暂的延时效果器发送到最右面，音量小一些，这样你就可以得到一个宽广、响亮的电吉他了。

2 O) t1 M0 ?8 K6 c, W# u- P* c古典吉他：声像放在右边，少加一点谐波效果器（译者注：应该是指吉他用的激励器）。将吉他复制一轨，音调稍微下调一点，声像放在左边。这样不用提升音量就可以得到一个宽广、响亮的古典吉他声音。这就是混音的秘诀。
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钢琴：我通常从弹奏者的角度来处理。但如果在左边有吉他，我就不会把钢琴的低音键与吉他放在同一位置，而是比吉他稍微靠右一点，比如说把低音键放到左30度，高音键放到右30度，这样就不会打架。为了使钢琴的高音清脆、低音有力，可以加一个立体声压缩器，启动时间（attack time）快一些，释放时间（release time）长一些。接下来你可以再添加一些乐器，但要记住它们在空间上不能打架。

三.背景人声：
+ ^) A, ~& ]9 R0 W4 L2 h假设有两轨背景人声，每轨有三人合唱，想让他们听起来象天使就这样做：将一轨的声像调到极左，另一组调到极右，用滤波器过滤掉一些中低频率。最好再加一些立体声混响，比如说延迟时间为1.5秒的板式混响（plate reverb）。

四.主唱：声像当然在正中间，音量调大。

近些年主唱好象趋向“干”，所以可以不用混响，或稍加一些板式或室内混响（plate or chamber），延迟时间要短。也可以在主唱上加一点延时效果，这样可以使之听起来显著，而不用提升太大音量。是的，不用提升太大音量就使各种乐器听起来壮观、层次分明是混音的真正技巧，均衡是做这项工作的极佳工具，但要理解均衡对每种乐器的作用需要花些时间多听。
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5 `% |" x! J0 X8 X$ }$ l上面介绍的是基础性的，当你把它用的滚瓜烂熟后，就可以进行一些新的尝试了

音频混缩12步
虽然对于录音和混音来说没有什么一定的原则，但是一旦你开发出一套自己的混音步骤，那么它至少可以告诉你混音工作应该从哪儿下手。下面就是我的混音步骤。
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4 l% x7 b3 z3 J+ ]+ c. m+ q( R在混音中你会花大量的时间来进行各种各样的调整。关于混音我们这里列出了12个(这只是个最低数量!)主要的步骤，而混音中最难的地方却是这些步骤之间的相互影响。当你改变均衡设置的同时，电平值也会发生变化，这是因为你对声音中的某些元素进行了提升或是衰减，它会影响到其他的元素。事实上，你可以认为混音就是一把“音频密码锁”。当你将所有的号码都调到了正确的数字时，那么你就完成了一件伟大的混音。 让我们一起来看一看这12个步骤，但是你要切记一点，这只是某一个人关于混音的见解，你很可能需要一套完全不同的但却是最适合于你的混音方法。
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  u6 Y( |5 t, X3 v) u. ~8 m8 }第1步：做好准备
1 {: f! M* o) \' t# L/ o
1 P: m5 |  g' k( \6 A, i混音可能是一件非常单调而乏味的事情，因此要设置一个高效率的工作空间。如果你没有一把坐感舒适的椅子，那么你最好还是到附近的办公用具商店去一趟。准备一些纸张和一个笔记本，以便进行记录时使用，将灯光调整得暗一些，这样可以使你耳朵的灵敏度高于你的眼睛，还要让自己兴奋起来，开始你的“旅行”。 要定时进行休息(例如每隔45到60分钟)，这样可以让耳朵得到放松并使你保持一个清醒的头脑投入到工作当中去。如果你是在录音绷中进行工作，那么这种休息就显得有些太奢侈了，但是这种两三分钟的休息却可以让你更加客观地进行判断，使你的混音工作得以迅速地完成。
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: ~6 K! f. c1 C9 ?第2步：回顾音轨
; p$ \* h6 r/ l1 f1 a
# N( g; o5 O9 l, w& Z$ T: ?3 p先使用较低的音量听一听所有音轨中都有些什么东西，然后记录下音轨的信息，并使用即时贴或是可以擦除的笔来简要地标明哪一个声音对应调音台上的哪一路。最好按照一般的逻辑习惯来组合声音，例如将所有打击乐器的声音都放在调音台上相连的路中。

( d  `1 v4 o9 L9 G7 W3 |3 v5 V, j第3步：带上耳机清除瑕疵

/ h- V' p1 O+ l! P& I! |检查录音细微的瑕疵是一件需要用到“左脑”的理性行为，这不同于用“右脑”来进行感性的混音工鳌Ｈ绻?竽栽谡饬街中灾什煌?墓ぷ髯刺?刑?刺?ヒ欢ɑ嶙璋?愦丛炝Φ姆⒒樱?虼嗽诮?姓?降幕煲糁?埃??】赡艿刈龊们謇砉ぷ鳌????家糁械脑右簟⒌?淼囊舴?约捌渌?嗨频亩?鳌Ｕ馐蹦憧梢源魃隙???直鸬ザ啦シ琶恳桓鲆艄炖床蹲铰际敝械拿恳桓鱿附凇?nbsp如果你是对MIDI音轨进行混音，那么此刻你应该做的工作无疑是减薄多余的控制器信号，消除重叠的音符，删去单音乐器音轨中多出来的声音(例如贝司和铜号的声部)。
4 A6 R' B7 s) V2 _) ~, ^
为了整理录在磁带上(包括数字式磁带和模拟式磁带)的音轨，可以先将它们转录到硬盘录音机中，进行一些数字化的编辑和噪声抑制工作。虽然一些细小的杂音单独听起来不会引注意，但是将一二十个音轨叠加到一起后，那些令人反感的声音就会原形必露了。

/ c) ~5 b( ^. ~6 m1 G# E- m1 ]第4步：优化所有的MIDI音源

如果要对MIDI音序的东西进行录音，最好首先在MIDI乐器内部对声音进行优化。例如，为了使声音更加明亮，你最好在电子乐器中提高该音色的低通滤波器截止频率，而不要使用调音台上的均衡器。一个要点：使用电子乐器时，一定要始终将输出音量打到最大值，这样做的好处是可以得到最大的动态范围。如果需要的话，你可以在调音台上对电平进行调整。当在特殊场合需要改变合成器输出电平的时候，可以使用第7号MIDI控制器信息，但是一定要保证合成器音轨中的最大音量值(控制器7号值)为127(或是非常接近127)，总之应该尽量在调音台上对合成器的音量进行调节。如果你将调音台的音量推杆推到最大，而又将电子乐器中的控制器7号值设置为32，那么你作品的动态范围一定会大受影响。

第5步：在音轨间建立相对的电平平衡

  x9 d5 w9 E, k8 F* g3 ~' Q) [4 j混音进行到现在仍不要忙着加入效果，这里可以专注于各轨组合在一起的整体声音，而不要再被左脑所处理的各种细节问题所干扰。对于一个优秀的混音来说，各个音轨自身的声音应该是非常棒的，但当各轨组合在一起相互作用时，声音应该更好。 进行整体玲听时最好先切入到单音色方式，如果各轨的声音录得很清晰的话，那么在单声道中它们将比在立体声中表现得更加明确。如果是一开始就用立体声来试听，那么各音轨中彼此冲突的一些地方就不容易被听出来。

第6步：调整均衡
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均衡器(EQ)可以用来突出不同乐器的特征，并使得声音在整体上更加平衡。首先对歌曲中最重要的元素进行加工(例如人声、鼓和贝司)。一旦所有的这些元素都“粘合”在一起了，再着手处理其它声部。

音频频谱只有一定的宽度，而每一种乐器又都要在整个频谱范围内占据其自己的一块领地，因此当各个乐器的声音组合到一起的时候，它们将填满整个频谱(当然，如何填满频谱首先取决于乐曲的配器，但均衡也在其中起着一定的作用)。混音时要先从鼓组下手的一个原因就是鼓组中的乐器(从低声部的大鼓到高声部的钗)可以很好地覆盖整个音频频谱。一旦鼓组安排停当，你就可以开始琢磨如何将其他乐器融合进去了。

- |: q5 n/ a  O4 i. [对一个音轨进行均衡操作时会影响到其他的音轨。例如，提升某一个钢琴音轨的中频部分可能会影响到人声、吉他以及其他中频段乐器的声音。有时候对某一乐器的某个频率进行提升，还会导致该频率处其他乐器声音被消弱的现象。为了使得人声更为突出，可以试着在其他乐器中将入声频率所在频段进行衰减，而不要一味地用均衡器对人声进行提升。
3 ^( \' Y3 S7 w$ N* q. D1 Q, A
你可以将歌曲想成是一个频谱，然后去决定各个声音都就座在什么位置(也就是其较突出的部分)。我在混音过程中有时会使用到一台频谱分析仪，这倒并不是因为耳朵不能够胜任工作，而是由于分析仪会提供一个绝好的耳朵训练机会，同时还会极为精确地显示出各个乐器在声音频谱中的位置。一台分析仪会提醒你在某个频率区域内存在的声音能量的异常情况。

如果你真的需要那种“突破”型或是说“爆发”型的声音，那么可以试着将1KHZ到3KHz的频段进行少许提升。不要对所有的乐器都使用这一方法，因为其目的是要用提升(或是衰减)操作来将一种乐器的声音与其他的乐器区分开来。

要想在混音中造成声音象是是从较远的地方发出来的感觉，那么你只要使用低通滤波器进行滤波就可以了，不必要非得用主均衡器不可。若你是使用高通滤波器对吉他、钢琴这些有向低频转移倾向的乐器进行滤波，那么会对这些乐器的低频段产生修减作用，使得贝司、大鼓这些低频中的重要成分都得到了充分地展开。

（未完待续）

{续上}
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0 g5 D, d9 z$ Y0 V第7步：施加基本的信号处理

“基本的辈⒉灰馕蹲胖皇股?舯洹疤稹保?蛭?Ч??砜梢运狄彩恰巴暾?纳?簟敝械囊桓霾糠?例如，如果echo(回声)效果的回声落到了音乐的拍节上，就有可能改变节奏部分的特征，而distortion(失真)会将更加激烈地改变声音，等等)。

第8步：创建立体的声音舞台
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现在到了将乐器安排在立体声的舞台上的时候了。你的目的可能还是非常传统的(也就是说，是要重现一个现场演出时的情景)，当然也可能是非常前卫的。不管怎样，为单声道的乐器安排一个合适的声像位置时，要避免将声像设置得过于靠左或是靠右。出于某些原因，过于极端的信号听起来可能会不十分真实。
- `3 a; q7 [, x+ ~9 @7 F
. S+ z  G# G( K+ d9 h, t由于低频声音的方向性不如高频声音明显(即通常说的“低频无指向性”)，因此可以将大鼓和贝司的声音放在中央。还要考虑到平衡的因素，举个例子来说吧，如果你将hi—hat(富含高频谐波成分)安排在了右侧，那么就应将tambourine、shaker或是其他的高频声音安排在左侧。这种概念对于中频段的乐器也同样是适用的。 信号处理器也可以将一个单声道的信号改变成一个立体声的图像。办法之一就是使用有时间延续功能的效果，如使用立体声合唱或是一个较短的延时。举个例子，如果一个信号的声像在左侧，那么将该信号的一部分施加短延时(5到15毫秒)后 再发送到另外一个声像为右的通道中。当你进行这样的操作时，最重要的是要确认混音监听在这时是处于单声道状态，这是由于将效果声和直达声进行混音时有可能导致声音相位的抵消，而在立体声情况下你可能听不出这种现象。

另外一个技巧则要使用均衡器了。将一个信号发送到两个分离的声道上去，但是对它们实行不同的均衡处理。例如，将一个声音送到一台立体声图式均衡器的两个声道中，将一个声道偶数段的频率全部减弱，而将另外一个声道奇数段的频率全部减弱。
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立体声的设置会十分有效地影响我们对声音的感受。让我们来对人声进行加倍，让一个歌手演唱一段，然后非常细致地将歌声进行一次加倍。试着将这两个声音输入声像相对的声道中，这时两个歌声将结合到一起，并使声像听起来是位于中央。这样产生的处于中央位置的声音会给人一种十分平滑的感觉，尤其是对于女歌手来说这将非常有效。这种声像相对的人声会表现出更加准确与清晰的音质，对于一个好的歌手来说更能体现其优秀。

0 u1 J' D8 y( y! @7 ~9 J第9步：在编曲上进行最后的改动

9 L8 y) ]" e, n, A7 T  {% b- V1 R! K你应该使乐曲中互相竞争的成份尽量减少，这样才能保证听众的注意力全部集中于曲调之上，而不使你的作品听起来乱哄哄的。你可能非常为你添加的某些效果而骄傲，但是如果这种效果不能够很好地为乐曲服务，那么别无选择——去掉它。相反的，如果你发现乐曲不需要某种特殊的声音，那么这就是你再叠录入一两个音轨的最后时刻。在音乐最后完成之前不要沉迷于欣赏你暂时的工作成果。切记：尽你最大的努力在混音中保持一种客观的工作态度。

3 x& {' m  U6 o  M6 i; m+ n你可以通过去掉或是加入某些特殊的音轨来在混音时改变乐曲的配器。这种混音方式对于大多数舞曲风格的音乐作品来说是一种最基本的工作方法。这时，可以不断反复地播放一段音乐，然后不断地切换各路的哑音键和变化主音量，你通过调音台就可以编配出一首舞曲音乐。

' N  u- L  c. T3 E第10步：声学空间

现在我们已经将我们的音轨都设定为立体声的了，接下来就要将它们安排到一个声学空间中了。从为辅助输出口外接一台效果器并选择一个精彩的混响开始，然后再对选中的音轨增加混响和／或延时效果，为一个扁平的声场创造出一定的纵深空间。通过开大一个声道的辅助输出并稍微地降低其推子，你就可以将一个音轨的声音放置到声场的后方。

( `' u7 w/ `- t1 i通常情况下，你将会对整个乐曲使用混响，以建立一种特殊的声学空间(俱乐部、音乐厅、礼堂等)。然后对某一个单独的音轨再使用一次混响效果，例如对通通鼓使用一个门混响(gated reverb)。但是要注意一点，如果你为了将一个声音做好而不得不将混响效果加到最大，那么你最好将这一轨重新进行录音。
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第11步：拧、拧、再拧

此时此刻，混音已经有了个大概形状了，下面就该进行细调了。如果你是使用自动混音，那么就开始编写你混音的每一个进程吧。切记上面的各个步骤都是相互影响的，因此你要反复在均衡、电平、立体声位置和效果之间进行调整。监听的标准要尽可能地严格，如果你没有将那些给你带来麻烦的东西除去，它们就可能会在你试听混音结果时像幽灵一样总来捣乱。
' q" `$ D/ c" T" X/ K/ k; `8 p- \
直到得出满意的结果前，你这时所做的工作对于混音来说都是十分重要的，可以说是关系到混音生死存亡的大问题。但你千万也不要因此而神经质，进行混音也可以说是进行表演，如果你抠得太细，就将会失去那些能增加刺激感的自发性的东西。一个不甚理想但却传达了热情的混音作品，听起来终究要比一个精细准确但却缺乏灵气的混音要有意思得多、吸引人得多。出于保险的目的，不要总是反复删除再重新进行你的混音，当你第二天再听昨日做出的混音时，可能会突然发现以前的这版混音正是你梦寐以求的。
1 M' u1 J* y6 A& p, l5 T) m
事实上，你可能自己都说不出你不同混音版本之间到底有多大的差别。一位非常有经验的录音师曾经告诉我说，他对同一首歌曲缩混了十几个版本，因为他坚持认为每一个混音版本中都有应该改进的地方，并且这些改进还是非常重要的。当几个星期之后他再听到这些混音时，结果对大多数的版本他都分辨不出它们之间的差别。因此，注意不要在进行改动上浪费过多的时间，你可以在几天后再去处理这些问题。
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! C! n0 @) `0 C3 D) o一个重要的技巧就是一旦你捕获到了最满意的混音结果，你就应该马上缩混出几种不同的版本，例如只有伴奏音乐而无人声的版本、只有背景而没有独奏乐器的版本等。这些不同的缩混版本很可能在将来某个时候会派上用场，例如你突然有机会将你的音乐重新用在一部电影或电视版中，或是要将它改编成舞曲，那么你就会事半功倍了。

第12步：在不同的系统中检查你的记音结果

在你停止一切混音活动之前，先要在各种各样的耳机和音箱上听一听，并且既用立体声来听，也用单声道来听，同时还要试验大音量播放和小音量播放间有什么不同。入耳的频率响应是随着音量的改变而改变的(在音量较低时，我们听到的高频和低频成份均较少，而中频较多)，因此如果你仅在较低音量的情况下进行监听，则你的混音一定会在正常音量播放时显得低频过重或是高频过于明亮。因此你应该尽量做到在所有的音频系统上玲听你的混音时感觉都较好。如果你的混音是针对于某一特殊的系统而做的，例如多媒体音箱，那么你可以考虑就用这种音箱作监听来进行混音。如果你不能做到这一点的话，也一定要在一个能够代表将来用途的系统上进行试听。

在一个家庭音乐工作室中，你有充分的理由暂时放下手中的混音工作，等到第二天再来接着干，而其中的这段时间，你可以到多个系统上去试听你的混音结果，看看还需要将哪几个旋钮再拧一拧。一个最常用的小技巧就是将不同版本的混音带在几盘盒带上分别试听，看哪一盘的声音最像你在汽车中听音乐的感觉。因为道路上的噪声将会掩盖掉所有细微的东西，只留下那些最能打动人的声音。另外我也建议你有可能的话最好到专业的大型录音棚中去试听一下你的混音结果。如果在各种条件下你的混音都非常精彩，那么你的任务才算完成了。

2 c; H4 @$ |. o) c7 u2 ?让自己变为听众
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" @0 T- f3 j  L; y; r+ I你可能会发现一个问题，尽管你辛辛苦苦地进行演奏，不厌其烦地编辑每一个片段，但是你却从来没有从欣赏音乐的角度来听过自己的作品。现在，混音工作已经结束，是该款待一下自己的时候了。打开最终的混音，不要再去“庖丁解牛”般地分析音乐中的成分，仅仅是去听音乐。假装你正在大街上散步，突然听到了有人在放音乐。你这时对音乐有何看法?
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2 V! P( e- n  f. x当然，你大概认为自己根本就不可能完全按上面所说的那样做。但是事实上只要尽量放松，你还是会得出一些结论。你可能会认为它真是棒极了，或者是认为它与你开始动手时的想法已经相去甚远。 如果你对一个独特的混音作品的感觉在几个月或是几年以后发生了改变，不要过于大惊小怪。你的品位在改变，并且你在混音方面的知识、经验也在不断丰富。但是只要你按照这些步骤一点一点来的话，你就会为你经过千辛万苦创建出的作品感到欣慰——你已经从你的劳动成果中得到了应有的乐趣。

附1：关于自动混音

现有的一些器材具有自动功能，它可以使精细的混音操作变得十分方便。当然，也有一些混音工程师无视这些有利条件，坚决抵抗自动混音功能，他们认为这些自动的操作会破坏他们充满灵感的对音乐的把握。并且，现在也没有哪一条法律条文提到说混音工程师必须要使用自动混音。
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$ s- L" E; C  E$ |& N2 a有一位曾经与我合作过的混音师，他工作非常努力，不厌其烦地调整着电平、均衡和混响，到了最后进行缩混的时刻，他能闭着眼睛准确、及时地调整好推子的位置。他进行混音时使用的是一台八轨的设备，他将手指全部分开，以便能够分别控制每一轨的推子，并且能做到及时、准确。这种工作的挑战性是显而易见的，但是不可否认，这样作出的歌曲很活泼、不呆板。
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但实际上很少有人能严格地训练自己以掌握这种混音的高难技术。因此适当地使用自动混音就成为了一种很好的选择。现在的一些混音装置可以将你推推子或拧旋钮的动作记录下来，然后在混音过程中自动完成控制。另外，在一些计算机音频工作站中，你甚至可以为音量或声像的变化描绘精确的包络线。所以对于大多数操作者来说， 自动混音仍是一种最为方便地实现自己混音思路的工具。

另外，使用一些小手段也会使混音更加容易。例如要突出一种声音，除增大音量外，改变均衡的设置也可以得到非常好的效果。在独奏乐器演奏时，你可以试着提升高频段和中频段。另外在进行淡出时，有时候你可以通过给某一种乐器的声道施加更多的混响，使这种乐器的淡化速度快于其他的乐器。 无论你如何去做，都要保证混音的活泼性和对听众的吸引力，但是保证这一点也不是非常容易的。甚至片刻的改变就会对最终的回放产生巨大的影响。不要出于对某种效果器的偏爱，就不管合适与否一味地使用它；使用效果器是要让声音增添更多的变化，使音乐作品的吸引力更大。保持电平一直在“跳舞”，不要对进行尝试有任何畏惧心理。

4 k$ O. l# T- \  h' \/ A" R附2：关于结尾淡出
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一个优秀的淡出可以说是歌曲中的关键所在。让我们假设你用一段很长的器乐 演奏作为歌曲的结束。一种选择就是让声音的音量保持四个小节，然后用八个小节 将其渐弱淡出。当然，一个淡出不一定非得是连续的。你可以让渐弱有一些波动， 比如每两拍将推子拉下一点。

2 `1 r: a4 t& D/ V4 C2 n* i线性的淡出可不是最好的选择。而凹入型的淡出，尤其适合于那些非常长的声音，它可以引发听众一直想不断听下去的渴望。最初的急速衰减告诉听众 要仔细聆听了，当他们的心被你抓住之时，你则将渐弱慢慢延伸到结尾。还有另外一种情况，就是凸起型的淡出，相比之下它的声音就有些突几，在音乐的感觉上让人有些不知所措，不知你要何去何从。

2 C5 s+ x' X( |4 ~$ X. _- x一个返回式的淡出是指在你将某些声音渐弱的过程中，又突然很快地将声音推大，然后再真正地将其完全渐弱。这种小把戏可以在你制作的音乐中用上一两回， 它们的确会给你的作品带来一些变化。应用这种方法最好的例子可能就是，当一首 歌曲渐渐淡出到零电平时，突然又以最大的音量重新奏起，然后再彻底淡出。

多谢山野雪人好文支持！

:L :L :L :不懂耶,太高深了.......

好东西,辛苦    顶:victory: :victory:

受益颇多，谢谢山野先生！

崇  拜  加   羡   慕！

很需要这方面的知识，多谢了:victory:

太感谢了!:victory:

感谢楼主，收藏了。:victory:

多谢！:) :) :) :victory: :victory: :victory:

先复制了,以后漫漫消化吧

非常感谢楼主！我是新手上路，望多指点！

:victory:

哇，太好了，这下我连后期混缩的基础也可以学习到了，呵呵，谢谢楼主

收藏拉!!

写的不错!顶.

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