[转帖][推荐]学电脑音乐必看

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:09:00

*************************************************************
本帖内容均转自简谱大世界网站,仅作为学习交流之用
*************************************************************
第一部分音乐理论

电脑音乐创作的特性 我们听到的音乐，如果是在演奏现场直接聆听（广场、音乐厅、教室或者是家里的客厅），其中一定首先有作曲家的智慧，同时一定会有演奏家的技艺（包括演奏家与作曲家合一的情况），然后，如果是合奏的话，往往还包含着指挥家的贡献；如果是经过电声的处理（流行音乐会、电子乐器独奏和合奏、电影院、电视机、收音机、家庭音响、“随身听”），还要融汇录音工程师和许多电声技术人员的劳动。对于传统的作曲家，主要任务就是根据他自己内心听觉的创造写出乐谱（有时还可能参与或者影响演奏和指挥的某些进程），乐谱就是他作为一个作曲家角色的“终端产品”。而作为现代的电子音乐作曲家，任务就不是那么单纯了。电子音乐作曲家提供给社会、给听众的，不再是绘有音符的纸制品，而是最终完成的、可以用听觉来感受的音乐本身（这才是本来意义上的音乐，乐谱只是创造音乐中的一个环节或者说一个半成品而已）。我们在《漫谈》中一开始就说过，现代电子音乐的创造大体上是有两种途径，通过MIDI控制电子乐器经过处理产生电子音频，或者不经过MIDI和电子乐器直接产生和控制电子音频，这两种途径经常是结合的。后一种途径，乐谱基本上已经不需要了，前一种途径，乐谱的作用和样式也和传统乐谱有很大不同。在中国，能够用后一种途径从事电子音乐创作的作曲家如同凤毛麟角。在这里，我们还是着重讨论通过MIDI来进行电子音乐创作的情形。
??我们已经讲过，由于“事件分离”的特点，MIDI能够传达的音乐信息包括以下四类：作曲家的信息（音高、节奏、音色等）、演奏家的信息（力度强弱、演奏方法等）、指挥家的信息（统一的节拍变化、声部平衡等）和录音师的信息（声象、音量控制，音响效果控制等）。其中，有些是五线谱上可以比较准确的表达的（主要是音符的信息），有些是五线谱上可以比较模糊的表达的（例如力度强弱、节拍与速度等），有些是五线谱根本不包含也不能表达的（声象、效果等）。总的说来，MIDI能够传达的音乐信息比五线谱所能记录的音乐信息要丰富得多，即使是五线谱能够表达的音符信息，也要更加精确、细腻得多。更重要的是，我们还要看到，在传统的音乐创作过程中，作曲、演奏、指挥、录音是四个虽有联系但毕竟是彼此独立的过程，而在“电脑作曲”的过程中：我“写”了几个音符，当时我就“演奏”了几个音符，而且“指挥”了（即安排声部平衡、速度变化等）这几个音符，同时在音响方面（混响、声像等）处理了这几个音符。内心听觉随时外化为真实的可以聆听的音乐音响。我们反复强调对于电脑音乐来说，作曲、演奏、指挥、录音是不可分割的，创作和制作是不可分割的，艺术和技术是不可分割的；它们不但是在整体上不可分割，甚至在具体操作过程中就是不可分割的。所以，与传统的音乐创作与表演方式相比，唯有电脑音乐能够真正实现作曲家的想象、演奏家的技巧和欣赏者实际聆听的音响的重合和统一，这是电脑音乐的优势，也是电脑音乐的特点，也正是因为这个优势和特点，电脑音乐在创作方面给我们提出了不少新的课题。综观我国热爱并且积极从事电脑音乐作曲的朋友的状况，真正了解并掌握了电脑音乐创作的特性的人并不多。所以，在这里提出几个问题与大家一起探讨。

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:32:00

音的基本概念(二）
音音是由于物体的振动而产生的。在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是非常多的，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。在音乐中所使用的音，是人们在长期的生产斗争和阶级斗争中为了表现自己的生活和思想感情而特意挑选出来的。这些音被组成为一个固定的体系，用来表现音乐思想和塑造音乐形象。音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。音的高低是由于物体在一定时间内折振动次数（频率）而决定的。振动次数多，音则高；振动次数少，音则低。音的长短是由于音的延续时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长；音的延续时间短，音则短。音的强弱是由于振幅（音的振动范围的幅度）的大小而决定的。振幅大，音则强；振幅小，音则弱。音色则由于发音体的性质、形状及其泛音的多少等不同。音的以上四种性质，在音乐表现中都是非常重要的，但音的高低和长短则具有更为重大的意义。试以《社会主义好》这首歌为例，不管你用人声来演唱或用乐器来演奏，用小声唱或是大声唱，虽然音的强弱及音色都有了变化，仍然很容易辨认出这支旋律。但是，假如将这首歌的音高或音值加以改变的话，则音乐形象就会立即受到严重的破坏。因此，不管创作也好，演奏演唱也好，对音高和音值应加以特别的注意。由于音的振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中所使用的主要是乐音，但噪音也是音乐表现中不可缺少的组成部分。在我国民族音乐里，噪音的使用具有相当丰富的表现能力。如在戏曲音乐中，打击乐器在其他艺术表现手段的配合下，在塑造人物形象，表现各种思想情感方面，其作用是异常明显的，这是世界音乐文化中非常具有特色的一部分，是值得我们很好地研究和学习的。我们平时所听到的某一个音，都不只是一个音在响，而是许多个音的结合，这种声音叫做复合音。复合音的产生是由于发音体（以弦为例）不仅全段在振动，它的各部分（二分之一、三分之一、四分之一……等）也分别的同时在振动。由发音体全段振动而产生的音叫做基音，也就是最易听见的声音，由发音体各部分振动而产生的音叫做泛音。这些音是我们听觉所不易听出来的。乐音体系音列音级在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。在钢琴上可以明显地看出乐音体系中所使用的音和音列。现在最大的钢琴包括有八十八个音高不同的音。除此之外的音在音乐中差不多是不用的。乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级两种。乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做基本音级。钢琴上白键所发出的音是与基本音级相符合的。基本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称。两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。升高或降低基本音级而得来的音，叫做变化音级。将基本音级升高半音用“升”或“#”来标明；降低半音用“降”或“b”来标明；升高全音用“重升”或“×”来标明；降低全音用“重降”或“bb”来标明。在德国体系中，用加字尾的办法来标明变化音级：is（升），es（降），isis(重升)，eses（重降）。但降E不用Ees而用es；降A不用Aes而用as；降h不用hes而用b。
音的分组前面已经讲过，钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称，因此，在音列中便产生了许多同名的音，为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个"组"。在音列中央的的一组叫做小字一组，它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1d1e1等。比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示，如c2d2e2等。其他各组依次类推。比小字一组低的组，依次定名为小组、大字组、大字一组及大字二组。小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示，如cde等。大字组用不带数字的大写字母来标记，如CDE等。大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明，如C1D1E1等。大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明，如A2B2等。音域及音区
音域有总的音域和个别的人声或乐器的音域两种。
总的音域是指音列的总范围，即从它的最低音到最高音（C2-c5）间的距离而言。
个别的人声或乐器的音域是指在整个音域中所能达到的那一部分，如钢琴的音域是A2-c5。
音区是音域中的一部分，有高音区、中音区、低音区三种。
在整个音域中，小字组、小字一组和小字二组属于中音区。小字三组、小字四组和五组属高音区，大字组、大字一组和大字二组属低音区。
各种人声和各种乐器的音区划分，往往是不相符合的。如男低音的高音区是女低音的低音区等。
各音区的特性音色在音乐表现中，有着重大的作用。高音区一般具有清脆、嘹亮、尖锐的特性；而低音区则往往给人以浑厚、笨重之感。
自然半

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:29:00

音的基本概念(一）

音符与休止符用以记录不同长短的音的进行的符号叫做音符。用以记录不同长短的音的间断的符号叫做休止符。音值的基本相互关系是：每个较大的音值和它最近的较小的音值的比例是2与1之比。例如：全音符等于两个二分音符；全休止符等于两个二分休止符等。音符与休止符的写法在记谱法中，音符与休止符的写法，与音乐的构思、音符与休止符在五线谱上所处的位置有着密切联系。正确的记谱，其目的是为了能简单明了、科学合理、准确地反映音乐思想。
关于记谱问题，情况异常复杂。这里只能将音符与休止符的写法的基本规则叙述如下：
音符包括三个组成部分。符头（空心的或实心的椭圆形标记）、符干（垂直的短线）和符尾（连在符干一端的旗状标记）。
音符的符头可以记在五线谱的线上与间内。符头在五线谱上的位置愈高音愈高，反之音符符头的位置愈低音也愈低。
用音符干记谱，符头在第三线以上时，符干朝下，写在符头的左边；在第三线以下时，符干朝上，写在符头的右边。符头在第三线上，符干朝上朝下都可以，根据邻近的符干方向而定。符尾永远写在符干的右边并弯向符头。假如同一符干连着许多符头而又分布在第三线的上下时，则以离第三线最远的符头为准。许多音符组成一组时，用共同的符尾（符杠）相连。这时符干的方向仍以离第三线最远的符头为准。两条以上的符杠要平行。
单声部音乐永远用单符干记谱。多声部音乐只有在节奏相同的情况下，才可以用单符干记谱。节奏不同时，则用双符干或多符干记谱。用双符干记二声部乐曲时，高声部符干朝上，低声部符干朝下，声部交错时，其原则不变。
符干的长度一般应保持八度音程的距离，假如符干连着许多符头时，符干的长度应是符头间的距离加上八度音程的距离。如果符头在上加三线以上，符干必须延伸到五线谱的第三线或第四线。如果符头在下加三线以下，符干必须延伸到五线谱的第三线或第二线。音符如果带符尾，则符尾形状不变。许多音符用共用符尾连结在一起时，符干长度多半长短不一，这时要使符杠与最近符头的距离至少距离八度。符杠的方向与符头的总趋向基本平行。由于谱面狭窄至少距离八度。符杠的方向与符头的总趋向基本平行。由于谱面狭窄及其他种种原因，不可能遵守上述规则时，适当缩短或伸长符干长度是完全可以的。
附点写在音符符头和休止符右边的间内，而不记在线上。
休止符在单符干记谱中，永远记在第三线上，或靠近第三线的地方。二分休止符写在第三线的上面，全休止符写在第四线的下面。在双符干记谱中，各声部共同休止时，休止符的记法与单符干记谱相同。个别声部休止时，休止符写在五线谱的边缘，或五线谱之外。这时全休止符和二分休止符要使用加线。全休止符写在加线的下面，二分休止符写在加线的上面。音律乐音体系中各音的绝对准确高度及其相互关系叫做音律。音律是在长期的音乐实践发展中形成的，并成为确定调式音高的基础。在历史发展过程中，曾采用过各种各样的方法来确定乐音体系中各音的高度，其中主要的、为大家所熟知的有"纯律"、"五度相生律"和"十二平均律"三种。目前被世界各国所广泛采用的是"十二平均律"。但"纯律"和"五度相生律"在音乐生活中仍继续发生着影响并具有重大的意义。十二平均律将八度分成十二个均等的部分-半音-的音律叫做十二平均律。十二平均律早在古代希腊时便有人提出了，但并未加以科学的计算。世界上最早根据数学来制订十二平均律的是我国明朝大音乐家朱载（土育）（1854年）。十二平均律，是指将八度的音程(二倍频程)按频率等比例地分成十二等份，每一等份称为一个半音即小二度。一个大二度则是两等份。将一个八度分成12等份有着惊人的一些凑巧。它的纯五度音程的两个音的频率比(即 2 的 7/12 次方)与 1.5 非常接近，人耳基本上听不出“五度相生律”和“十二平均律”的五度音程的差别。同时，“十二平均律”的纯四度和大三度，两个音的频率比分别与 4/3 和 5/4 比较接近。也就是说，“十二平均律”的几个主要的和弦音符，都跟自然泛音序列中的几个音符相符合的，只有极小的差别，这为小号等按键吹奏乐器在乐队中使用提供了必要条件，因为这些乐器是靠自然泛音级(如前文所述，自然泛音序列，其频率是基音频率的整数倍序列，成等差数列)来形成音阶的。
半音是十二平均律组织中最小的音高距离。两音间的距离等于两个半音的叫做全音。八度内包括有十二个半音，也就是六个全音。在音列的基本音级中间，除了E到F、B到C是半音外，其余相邻两音间的距离都是全音。在钢琴上，相邻的两个琴键（包括黑键）都构成半音，隔开一个琴键的两个音则都构成全音。
十二平均律在交响乐队和键盘乐器中得到广泛使用，因为只有 “十二平均律”才能方便地进行移调。五度相生律根据复合音的第二分音和第三分音的纯五度关系，即由某一音开始向上推一纯五度，产生次一律，再由次一律向上推一纯五度，产生再次一律，如此继续相生年定出的音律叫做五度，产生再次一律，如此继续相生所定出

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:36:00

音的基本概念(三）等音音高相同而意义和记法不同的音，叫做等音。等音是根据十二平均律而来的，因为只有在半音相等的情况下才有可能产生等音。除去#G和bA两个音级外，其他每个基本音级和变化音级都可能有两上等音，连它本来的共有三个。而bA和#G只有一个等音，连它本身共有两个。谱号前面已经讲过，在五线谱上音的位置愈高，音也愈高，反之音的位置愈低，音也愈低，但到底高多少？低多少？却无法确定。在五线谱上要确定音的高低，必须用谱号来标明。这种谱号记在五线谱的某一条线上，便使这条线具有了固定的音级名称和高度，同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。通常用的谱号有三种：G谱号表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，叫高音谱号；另外有记在第一线上的，叫古法国式高音谱号。F谱号表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，叫低音谱号；另外还有记在第五线上的，叫倍低音谱号。C谱号表示小字一组的c，可记在五线谱的任何一线上。目前被采用的C谱号有C三线谱号（中音谱号）为中音提琴所用，有时也长号所用。C四线谱号（次中音谱号）为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线，以使写谱和读谱更加方便。各种谱号可以单独使用，也可以连接起来使用，如高、低音谱号所组成的大谱表便是。增长音值的补充记号在记谱法中，除了应用基本音符时值以外，还应用其它的一些增长音值的符号，这些符号有：
附点是记在符头右边的小圆点，带有一个附点的音符，增长原有音符时值的二分之一；带有两个附点的音符，增长原有音符时值的四分之三。符点也同样适用于休止符。附点音符的符头若在五线谱的间内，附点写在符头的旁边，若在线上，附点则写在线的上面或下面。
延音线用在音高相同的两个或两个以上的音符上时，表示它们要唱成一个音，它的长度等于这些音符的总和。
在单声部音乐中，连线永远写在和符干相反的方向。假使一行五线谱上记有两个声部时，则高声部连线朝上弯，低声部的连线朝下弯。要是多于两个声部时，连线则分写在两边。
延长号它的记号是在半圆形中间加一圆点，在单声部乐曲中它写在音符和休止符的上面，表示按作品的风格、演奏者的意图可自由地增长音符或休止符的时值。在多声部音乐中延长号也可以记在音符或休止符的下面。延长号也可以记在小节线上，表示小节之间的片刻休止。记在双纵线上的延长号则表示乐曲的结束或告一段落。变音记号用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号。
变音记号有五种：
升记号（#）表示将基本音级升高半音。
降记号（b）表示将基本音级降低半音。
重升记号（×）表示将基本音级升高两个半音（一个全音）。
重降记号（bb）表示将基本音级降低两个半音（一个全音）。
还原记号(ヰ)表示将已经升高或降低的音还原。
变音记号可以记在五线谱的线上和间内；可以记在音符的前面和谱号的后面。
记在谱号后面的变音记号叫做调号。在未改变新调之前，它对音列中所有同音名的音都生效。如果在乐曲中间要更换调号时，可能有三种情况。
更换调号如果发生在一行乐谱的开始处，这时应该在前一行乐谱的末尾处将所要更换
的调号予先记写清楚，并将最后一条小节线向前移，以便记写新调的调号。
增加原有升号或降号的数目。这时只要在更换调号处的小节线右边写出新调的调号便可以了。
减少原有升号或降号的数目。这时需要在更换调号处的小节线左边将多余的变音记号还原。在小节线的右边写出新调的调号。
升号变降号或降号变升号。这时需要在更换调号处的小节线左边将原来的变音记号还原，在小节线的右边写出新调的调号。
直接放在音符前的变音记号叫做临时记号。临时记号只限于同音高的音有效，而且只
到最近的小节线为止，在多声部乐曲中临时记号往往只对一个声部有效。为了提醒废除前面所用的临时记号，有时在小节线后面加上另外的临时记号。

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:38:00

没有弦的弦乐队 现在虚拟乐器的声音与真乐器非常接近，越来越多的专业和业余作曲家开始利用电脑工作。
下一次看电视节目的时候你闭上眼睛想一想：这是真乐队还是假的乐队在奏音乐？答案：基本都是假的，电视节目制片人不会把有限的经费用在请交响乐队录音上。
你听到用弓子拉出来的小提琴声音是真的，但不是像你所想象的那样演奏出来。它们是虚拟乐器，原始的声音被录音并存储在电脑中，然后作曲家通过电脑把他写作的小提琴声部演奏出来，经常只要敲一下键就完成了。
虚拟乐器快速改变着专业音乐的面貌，甚至家庭业余爱好者也开始受益。你从电视中听到的许多音轨都来自电脑硬盘而不是传统的录音棚，作曲家可能是国际高手，也可能是成千上万业余爱好者中的某一位。
软件非常便宜，完整的弦乐队音色价值535英镑，虽然使用它们还需要另外的软件。相比之下请专业录音乐队每天就需花费15000英镑！因此虚拟乐队非常廉价，而它的音质绝对不差。
“声音是在纽约林肯中心采录的”Garritan说“我们给弦乐器采样大约花费1000万美元，采集了多种名琴——Stradivarius, Guarneri, Testore, Gagliano，录音处理耗去2周，然后又用了一年半时间进行编辑和推出之前的测试。”
一个热心的英国作曲家Chris Nicolaides曾经为许多电视节目和电影音乐作曲，他说：“乐器音色库的改进非常快，90％的听众不能分辨它们与真乐器之间的差异。我曾经有一套斯坦威D级大钢琴采样，存放在我的电脑里——现在说来难以置信。当我回放采样时，就好像坐在真钢琴前面。”
对于专业作曲家和音乐制作人，快速发展的虚拟乐器还有另外的含义。Nicolaides说：“我为The importance of Being Earnest写的音乐是在录音棚里制作的，我还记得当时的全部费用。但是我现在为英国电影Emotional Backgammon作曲，基本没有花钱。
他在Windows电脑中作曲，然后直接刻录成音频CD。结果如何，大家可以到Garritan的网站去下载评判，它们都是用虚拟弦乐制作的。“我不再写谱子，记得最后一次写总谱是为BBC，他们希望收藏在图书馆。”Nicolaides说。
音质的改善伴随着价格下降，虚拟乐队不再限于专业领域——技术甚至改变了录音棚的结构。过去采样器一直都是电脑以外一件独立的硬件，需要把它连接到录音系统。现在所有的东西，乐器和软件，作曲和录音工具都在同一台电脑中。
这样的便利也为业余音乐家打开了应用技术的大门，然而学习编排还是需要花费时间。“有了采样并不能让你成为使用它们的专家。最初几个月我做成的音乐绝对吓人。”业余作曲家，cakewalk audio用户组参加者Joel Irwin说。
一年前Irwin对于电脑音乐一无所知“我就是跟着采样学习演奏，就像在真乐器上一样，而且能用奏出的音符回放”。他现在已经熟练掌握了技术，大家可以从www.tonos com/lrwin/听到他用采样制作的作品。
虚拟乐器也改变了流行音乐的面貌，不少公司销售用于摇滚、流行和舞蹈音乐的高科技键盘。位于Maidenhead, Berkshire的英国Novation公司生产的键盘合成器获得了很好的名声。其中1000英镑的Supernova在舞蹈界特别有名，也广泛用于全世界的录音棚。500英镑的K-Station常用于现场乐队。几个星期前Novation进一步把K-Station做成软件，叫V-Station，售价低于150英镑。Novation的奠基人和常务董事Ian Jannaway注意到产品从专业的真实合成器向电脑内部的过渡“电脑的性能仍然每18个月就翻一番，品质不再成问题”Jannaway说，“你可以把键盘连接到电脑，插上麦克风或吉他，用电脑演奏和录音，它等于是你客厅里的专业录音棚。”
虚拟乐器为专业音乐家省钱又省时间，但是他们是否能作出更好的音乐？Nicolaieds认为毫无疑问“曾经有人争论说使用真的音乐家更好，但事实是你没有足够的钱。因此在做得更好以前起码需要承受得起”。此间的音乐家协会相信电脑不是专业演奏的代用品，“无论如何，在技术没有非常完善以前它不能替代真实的演奏，”音协副主任Howard Evans说，“我刚跟Hans Zimmer（Giadiator的作曲者）谈过，他说因为现有的一些限制没有能把采样做得更好。”
热心的Jannaway明白芯片不能干所有的事，他远离键盘，在爵士乐队演奏萨克斯，“铜管是很难模拟的，我们能花3年功夫来做它，但是我怀疑只能卖出20套”。
传统音乐家像Evans认为虚拟作曲家是很有才能的，“人们使用电脑产生音乐，我想他们也是音乐家。真正的音乐家总是需要的，不过他们使用的乐器种类在变化。”

将你的电脑变成作曲工具

硬件
当前的任何PC或Mac电脑都有能力运行音乐软件。一块为音乐设计的好声卡对于Windows用户是明智的选择Creative Audigy卡起价大约85英镑，但是它要求Windows内部的设置，这种事情最好留给你本地的电脑商店去做。如果钱不成问题，可以考虑买Carillon电脑，这是时髦的专门配置的高档音乐机器。有关详情可浏览www.carillondirect.com
你需要一个音乐键盘来演奏音符，Evolution的MK249售100英镑（www.evolution.co.uk），能够连接到Windows或Mac电脑，Windows用户还能得到捆绑的音乐软件，包括一个程序教你怎样演奏钢琴。250英镑的Novation Remote

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:45:00

现代音乐和声理论

第一章和弦新论
传统和声学把所有的和弦都归为三度关系来解释，并且力求和声进行的完美和规范。但是现代流行音乐特别是爵士音乐的和声已经高度复杂化和自由化，三度叠置虽然仍是和弦构成的基本原则，但已不是重要的解释手段。这年头可以这样说：把几个音合在一起发音就构成和弦。和声的进行是否规范属于次要问题，平行五，八度的错误基本上不予考虑。唯一的准则是：听起来是否舒服，到位。爵士音乐中复杂的加音和弦几乎使你分不清和弦的功能性，布鲁斯和弦同名大小调搅和在一起，莫名其妙的模进进行很难用经典的和声理论来解释。我们现在就进入现代和弦的奇妙世界。 第二章和弦标记 本教程采用字母和弦标记法来表示和弦。这是流行音乐中通用的标记法，把它和级数标记法结合使用会感到很方便，能使你很透彻地领悟到不同调的和弦的相互微妙的关系，好象你的脑子里就有一张和弦表。下面我们就来熟悉这个标记法。 1。大三和弦：根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。 2。小三和弦：根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。 3。增三和弦：根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个“+”。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。 4。减三和弦：根音与三音，三音与五音都是小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim或一个“-”。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。 5。大小七和弦：在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“7”即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。 6。大大七和弦：在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7. 7。小小七和弦：在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“m7”表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7. 8。小大七和弦：在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7. 9。减七和弦：在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7. 10。半减七和弦：在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5. 11。加音和弦：它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于原和弦的右边，如DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，（LA是基于C和弦的加音），FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去原和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.（C和弦省三音加四度音）。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9,而标为F9会被认为是FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。 12。指定和弦根音：就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于最低音。Dm/G表示演奏Dm时把G音置于最低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD,实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。 
第三章各级和弦的功能 流行音乐中一般只讲大调的和弦而很少把小调单独作为一种调式重新定义和弦，因为流行音乐中关系大小调和弦共用的现象十分普遍，如果用经典和声学解释会颠来倒去搞不清。 下面我们用C大调来举例。基本和弦共7个:C,Dm,Em,F,G,Am,Bdim.分别是1，2，3，4，5，6，7级和弦。1，4，5称正三和弦，2，3，6称副三和弦。7级和弦在流行音乐中极为少用。1级和弦也称主和弦，4级和弦也下属和弦，5级和弦也称属和弦。接下来是每个和弦的属性，很重要哦！ C，即1级和弦，是用来明确调性的。一般大调的歌曲都以它开始，也以它结束。不过在曲子的中间可以尽量少用主和弦，否则老是给人以终止感，乐曲的进行也会很硬。 Dm,即2级和弦，是一个很柔和的和弦，它的最重要用途就是放在属和弦即5级和弦之前。而5级和弦则自然要回到1级和弦，所以很容易就形成了2-5-1的进行。这是一个极其常用的进行。 Em,即3级和弦，也是一个十分柔

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:47:00

现代音乐和声理论

第一章和弦新论
传统和声学把所有的和弦都归为三度关系来解释，并且力求和声进行的完美和规范。但是现代流行音乐特别是爵士音乐的和声已经高度复杂化和自由化，三度叠置虽然仍是和弦构成的基本原则，但已不是重要的解释手段。这年头可以这样说：把几个音合在一起发音就构成和弦。和声的进行是否规范属于次要问题，平行五，八度的错误基本上不予考虑。唯一的准则是：听起来是否舒服，到位。爵士音乐中复杂的加音和弦几乎使你分不清和弦的功能性，布鲁斯和弦同名大小调搅和在一起，莫名其妙的模进进行很难用经典的和声理论来解释。我们现在就进入现代和弦的奇妙世界。 第二章和弦标记 本教程采用字母和弦标记法来表示和弦。这是流行音乐中通用的标记法，把它和级数标记法结合使用会感到很方便，能使你很透彻地领悟到不同调的和弦的相互微妙的关系，好象你的脑子里就有一张和弦表。下面我们就来熟悉这个标记法。 1。大三和弦：根音与三音是大三度，三音与五音是小三度，用根音的大写英文字母音名来表示，如DO，MI，SOL和弦用C表示，FA，LA，DO和弦用F表示，降MI，SOL，降SI就用Eb表示，升FA，升LA，升DOL用F#表示。 2。小三和弦：根音与三音是小三度，三音与五音是大三度，用根音的大写英文字母音名加上小写m表示，如RE，FA，LA和弦用Dm表示，MI，SOL，SI和弦用Em表示，降MI，降SOL，降SI用Ebm表示。 3。增三和弦：根音与三音，三音与五音都是大三度，用根音的大写英文字母音名加上aug或加一个“+”。如DO，MI，升SOL和弦表示为Caug或C+，FA，LA，升DO和弦表示为Faug或F+。 4。减三和弦：根音与三音，三音与五音都是小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim或一个“-”。如RE，FA，降LA，表示为Ddim或D-，升DO，MI，SOL表示为#Cdim或#C-。 5。大小七和弦：在大三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“7”即可，如SOL，SI，RE，FA和弦用G7表示，LA，S升DOL，MI，SOL用A7表示。 6。大大七和弦：在大三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上Maj7表示，如DO，MI，SOL，SI和弦表示为Cmaj7,降SI，RE，FA，LA和弦表示为Bbmaj7. 7。小小七和弦：在小三和弦基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上“m7”表示。如LA，DO，MI，SOL和弦表示为Am7,RE，FA，LA，DO和弦表示为Dm7. 8。小大七和弦：在小三和弦基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上mM7表示，如DO，降MI，SOL，SI和弦表示为CmM7,LA，DO，MI，升SOL表示为AmM7. 9。减七和弦：在减三和弦的基础上再加小三度，用根音的大写英文字母音名加上dim7表示，如SI，RE，FA，降LA和弦表示为Bdim7,LA，DO，降MI，降SOL表示为Adim7. 10。半减七和弦：在减三和弦的基础上再加大三度，用根音的大写英文字母音名加上m7-5表示，如SI，RE，FA，LA和弦表示为Bm7-5,升FA，LA，DO，ME和弦表示为#Fm7-5. 11。加音和弦：它是指在一个以三度关系为基础的和弦上加上其它音，如加入六度音，九度音，四度音等，标记法为将这个加音的度数写于原和弦的右边，如DO，MI，SOL，LA和弦可标为C6，（LA是基于C和弦的加音），FA，LA，DO，SOL和弦可标为F9。但要注意的是，加四音和弦的写法有规定，要写sus4，并且要省去原和弦的三音，否则三音和四度音一起响会很尖锐。如DO，FA，SOL和弦标记为Csus4.（C和弦省三音加四度音）。加音以6，9，4度为多数。另外，有更复杂的理论把加音与多音和弦分开来，如FA，LA，DO，SOL和弦应标为Fadd9,而标为F9会被认为是FA，LA，DO，MI，SOL和弦。不过这只是理论而已，一般情况下用简单的加音标记法就可以让别人明白你的意思。 12。指定和弦根音：就是在演奏该和弦是，不弹它本身的根音而根据标记弹奏。如C/G，表示演奏该和弦时把G音置于最低音。Dm/G表示演奏Dm时把G音置于最低音。也可以用On*表示同样意思，如F9OnD,实际演奏的是RE，FA，LA，DO，SOL。很明显，这种标记法可以用来表示和弦的转位。 
第三章各级和弦的功能 流行音乐中一般只讲大调的和弦而很少把小调单独作为一种调式重新定义和弦，因为流行音乐中关系大小调和弦共用的现象十分普遍，如果用经典和声学解释会颠来倒去搞不清。 下面我们用C大调来举例。基本和弦共7个:C,Dm,Em,F,G,Am,Bdim.分别是1，2，3，4，5，6，7级和弦。1，4，5称正三和弦，2，3，6称副三和弦。7级和弦在流行音乐中极为少用。1级和弦也称主和弦，4级和弦也下属和弦，5级和弦也称属和弦。接下来是每个和弦的属性，很重要哦！ C，即1级和弦，是用来明确调性的。一般大调的歌曲都以它开始，也以它结束。不过在曲子的中间可以尽量少用主和弦，否则老是给人以终止感，乐曲的进行也会很硬。 Dm,即2级和弦，是一个很柔和的和弦，它的最重要用途就是放在属和弦即5级和弦之前。而5级和弦则自然要回到1级和弦，所以很容易就形成了2-5-1的进行。这是一个极其常用的进行。 Em,即3级和弦，也是一个十分柔

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:49:00

第四章各级变化和弦 接下来我们要为歌曲配置更优美的和弦，使音乐更流畅。这就要用到各种变化和弦。关于变化和弦在经典和声学里有复杂的一套理论，这些理论是有实际意义的，但是对于那些没有系统学习过和声学的人来说，如果一开始就被灌输有关离调的系列理论，恐怕没有多少人可以正确理解。所以在本教程中，我采用了一种比较直观的说法，关于离调和弦等内容的正确涵义会在以后写明。 注：所有和弦转位都沿用传统名称，第一转位称六和弦，第二转位称四六和弦。1，主四六和弦（K46和弦）这是一个在古典音乐中很常用的和弦，但它在流行音乐中仍然有很重要的作用。它的形式是主和弦的第二转位，以C大调举例就是C/G和弦，即5-1-3和弦。这种和弦的特点是，虽然算是主和弦，但因为它以SOL为根音，所以一点也不稳定，有着极强的向属和弦去的倾向。试验一下，如果一首大调歌曲结束时贝司手不弹DO音而弹SOL音，你肯定会感觉很奇怪，你会觉得这首歌曲根本就没有结束。这充分体现了主四六和弦的不稳定性。因此在编曲时我们可以充分利用这一点，如果有一首歌曲的结尾是C-G7-C（这可是很常用的结尾哦）我们就可以改为C/G-G7-C。由于C/G（主四六和弦）倾向与属和弦G7，而属和弦G7又倾向于主和弦，这样从C/G开始一系列的和弦都顺着它的倾向性行进，音乐就变得流畅了。在古典音乐中，C/G-G7-C的进行是最经典的终止式。2，二级六和弦二级六和弦是二级和弦的第一转位，在C大调中是Dm/F。它的构成音是FA，LA，RE。大家会发现它与F和弦（四级和弦）只差一个音，前者是FA，LA，RE，后者是FA，LA，DO。所以，二级六和弦实际上可以看成是四级和弦的一个替代品，也就是说某些地方本来用的是四级和弦，现在就可以用二级六和弦代替，C大调中就是用Dm/F代替F和弦。二级六和弦保持了二级和弦柔和的特性，不象四级和弦那么硬，也没有强烈的“飞”起来的感觉，所以如果你想要使1-4级的进行不要那么强硬，但又要保证有1-4级进行的和声效果，你就可以用二级六和弦代替四级和弦。如果大家听过电影《红河谷》的主题曲，它的第二个和弦就是二级六和弦，而这个地方的和弦功能和听上去的感觉实际上是四级的，这就对了！这就是二级六和弦要达到的效果。3，大二级和弦这实际上是一个离调和弦，不过在这里我不从这个角度去说明问题。大二级和弦就是升高三音的二级和弦，在C大调里是2，#4，6和弦。它的特点就是强烈倾向于属和弦（五级和弦），也就是在C大调里构成D-G的进行。在前面介绍二级和弦时我曾提到二级和弦最重要的用途是置于5级和弦前面，所以我们可以这样认为大二级和弦是增强了小二级和弦向属和弦的倾向性。在C大调中就是用D-G7代替Dm-G7。在歌曲的适当位置使用这种代替手段效果是十分好的。但是要注意，歌曲的旋律音如果是FA（首调）则不能这样代替，因为这会构成与和弦#4的小二度冲突，十分尖锐刺耳。邓丽君的许多歌曲及那个年代的许多歌曲（如《今宵多珍重》）都会在属和弦前使用大二级和弦，大家可以去仔细地分辨一下。另外，和所有的离调和弦一样，大二级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是D7和弦，2，#4，6，1。它的和弦性质和D和弦是一样的，只不过音响更丰富些。4，大三级和弦这也是一个离调和弦。在C大调里是E和弦，3-#5-7。是由三级和弦Em升高三音形成。它倾向于六级和弦Am.也就是在C大调里构成E-Am的进行。它实际上也是Em到Am进行的强化。和前面一样，我们可以用E-Am代替Em到Am，但仍要注意，如果旋律音是SOL，就不能这样代替，因为SOL会与和弦里的#5冲突。有一首老歌叫《我家在那里》就使用了大三级和弦。有首圣诞歌曲<We Wish you a Merry Christmas>就连续使用了大二级和弦和大三级和弦。另外，和所有的离调和弦一样，大三级和弦也可以扩展成七和弦，C大调里是E7和弦，3-#5-7-2。它的和弦性质和E和弦是一样的。5，大六级和弦这也是一个离调和弦。而且这是一个很常用的和弦，它的“离调感”十分远，所以能制造出很动听的效果。在C大调中是A或A7和弦（和其他离调和弦一样，它可以扩展成七和弦）它强烈倾向于二级Dm和弦，这样就在C大调中形成A（A7）-Dm的进行。这可是一个非常漂亮的进行，它不仅可以代替Am到Dm的进行，还可以代替其他和弦到Dm的进行。只要你的旋律中带有6，#1，3，5中的任何一个或多个音，你就可以使用这个进行。它是用来强调和声在音乐中作用的最好例子。看一下：3 - 4 | 2 - - | 这个例子，如果你想在第二小节配置Dm和弦，那么前一小节用什么好呢？Am可以，Em也可以，但它们都不是最好的，试过用A(A7)吗？那将会是一种新鲜的感觉。这种和弦手法在流行音乐中被广泛应用，邓丽君的歌曲《爱的箴言》就使用了该和弦，著名的圣诞歌曲<Hark! the herald angels sing>全曲多次使用该和弦。这个和弦十分有色彩，恰当的使用肯定可以使你配置的歌曲和弦及伴奏比原来丰富得多。当然仍旧要注意，不要在旋律音为DO时使用该和弦，因为它会与和弦的#1音冲突。6，一级七和弦这也是一个离调和弦。

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:50:00

常用音乐术语、词汇 《音乐词汇小集》

Adagi 慢板常见于交响曲或协奏曲的第二乐章，也可以是慢速乐曲的名称，如Albinoni的Adagio。

Aria:咏叹调，抒情调配有伴奏的独唱曲，是歌剧或清唱剧里的歌曲，有时也用于抒情的器乐曲上。

Cadenza:华采乐段协奏曲或歌剧咏叹调接近尾段时，由独奏/唱者卖弄技巧的过门。十九世纪以前协奏曲的华采乐段都是即兴演奏的，但自贝多芬以后大多是作曲家或独奏者事先撰写的。

Cantata:清唱剧以宗教文字为歌词，配以器乐伴奏的乐曲，但也有极少数是非宗教的世俗清唱剧。

Chamber Music:室乐三至十五件乐器合奏的器乐曲，如三重奏(Trio),四重奏(Quartet),五重奏(Quintet)等。

Chamber Orchestra:室乐团约十五至二十五人组成的小型管弦乐团。

Chanson:歌曲法文歌曲的意思。

Chorale:圣咏曲德国新教或路得教会的一种感恩赞美诗歌。

Coda:尾奏拉丁文尾巴的意思。一个乐章/曲的终结乐段。

Concert协奏曲巴罗克时期发展出来的曲种，通常是一件独奏乐器和管弦乐团合奏的乐曲，有时独奏乐器会有两至四件。

Concerto Gross大协奏曲独奏协奏曲的先驱。比古典或浪漫时期的协奏曲结构规模较小，大协奏曲的独奏乐器通常都有两件或以上。

Opera:歌剧谱成音乐的戏剧，音乐，台词和剧情都具有同等的重要性。四百年来歌剧艺术衍生出不同的类型：严肃歌剧(Opera Seria)，诙谐歌剧(Opera Buffa)，美声歌剧(Bel Canto Opera)，轻歌剧(Operetta)，德国轻歌剧(Singspiel)，乐剧(Music Drama)和法国喜剧歌剧(Opera Comique)等。

Opus(Op.):作品编号拉丁文作品的意思。作曲家或音乐出版商以此编排作品，通常作品编号愈小，亦即是作曲家愈早期的作品。

Oratori神剧原意是指祈祷室，十六世纪发展成的一种音乐类型。与歌剧相似，但唱词均以圣经为蓝本，也没有舞台布置或服装。

Orchestra:管弦乐团十五人以上组成的乐团。Orchestra不一定混合管乐和弦乐，纯粹的管乐团或弦乐团也称为Orchestra。

Overture:序曲法文开放的意思，是歌剧或神剧等同类作品开始时的器乐前奏。浪漫时期发展出音乐会序曲(Concert Overture)，是一种独立的管弦乐作品。

Partita:组曲原是一种主题与变奏(Theme and Variations)的曲式，巴罗克时期演变成组曲的意思。

Plainsong:素歌 (请参阅Gregorian Chant)。

Polyphony:复音音乐两个或以上独立声部组合的音乐。

Prelude:前奏曲浪漫时期用于歌剧或芭蕾舞剧每一幕的前奏，有时更取代序曲。也是一种没有明确形式的独立乐曲，通常是十分简短的钢琴曲。

Programme Music:标题音乐以纯音乐描述一个标题甚至故事的器乐曲。

Recitative:宣叙曲在歌剧或神剧中以歌唱方式说话。与咏叹调比较，宣叙调着重叙事，音乐只是附属性质。

Requiem:安魂曲天主教礼仪为死者送葬的弥撒曲。

Rhapsody:狂想曲浪漫时期一种形式自由的曲种，经常以既有的旋律为基础写成的器乐曲。

Rond回旋曲古典时期一种节奏轻快的曲式。其中的主要乐段会与其他乐段轮替出现。回旋曲大多出现于协奏曲或奏鸣曲的终结乐章，但也会独立乐曲的形式出现。

Scherz诙谐曲意大利文玩笑的意思。十九世纪由贝多芬发展出来，取代小步舞曲(Minuet)的地位。

Serenade:小夜曲意指夜间的音乐。十八世纪时一种多乐章组成的器乐曲，经常是为庆祝活动而写的。

Sonata:奏鸣曲意大利文声响的意思，有别于歌唱的声音。奏鸣曲是一种专为某种乐器而写的音乐。除了钢琴奏鸣曲以外，大多数的奏鸣曲都有钢琴伴奏，但也有巴罗克时期的三重奏鸣曲(Trio Sonata)是为三件乐器而写的(其实是四人合奏的，但伴奏者不算在内)。

Sonata Form:奏鸣曲式古典时期发展出来的一种曲式，常有于交响曲或协奏曲的第一乐章，由呈现部(Exposition)，发展部(Development)和再现部(Recapitulation)组成。两个风格不同的主题在呈现部出现，在发展部变化，最后于再现部重复作结。

Suite:组曲巴罗克时期的组曲大多是由一系列舞曲组成的。在浪漫时期，组曲也会是由歌剧或芭蕾舞剧改编成的乐曲，或独立的音乐会组曲(Concert Suite)。

Symphonic Poem:交响诗浪漫时期的一种单乐章管弦乐曲。

Symphony:交响曲古典时期发展出来的重要曲种，其实就是管弦乐奏鸣曲，通常由四个乐章(也有三个或五个的)组成的大型管弦乐曲，有时也会加入声乐。

Temp速度意大利文时间的意思，泛指乐曲演奏时的速度，常见的有：Largo(宽广的)，Adagio(缓慢的)，Moderato(中庸速度)，Andante(行板)，Allegro(欢乐的快板)和Presto(非常快)。

Theme and Variation:主题与变奏 (请参阅Variation)。

Toccata:触技曲意大利文触碰的意思，是一种表现演奏者技巧的器乐独奏曲，大多数是为键盘乐器而作的。

Tone Poem:音诗与交响诗(Symphonic Poem)同义。

Variation:变奏曲以同一主题(Theme)作一连串变奏的乐曲。在每个变奏中，同旋律会以不同和声，节奏，速度，加减音符甚至倒弹出现。

Voices:声部，人声人声可依音域分成大类：女高音(Soprano)

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:55:00

鲁佩特的配器经验 作曲家鲁佩特为交响乐队写作，曾经为El Dorado, The Prince of Egypt, Muppets in Space和
Virtual Sexuality等影片作曲。鲁佩特同时也熟练地使用合成器、采样器。他的MIDI设备不如霍
华德那么多，基本上是5台Roland S-760，2台E-mu EIV，一台Roland XV-5080。

设置乐队

鲁佩特承认他的设备可能比别人差，但是他在此基础上很好的组织自己的虚拟乐队。写作时他总要先写出主题，想好怎样发展的计划。“然后花两天或三天在挑选和准备着一段工作期间（大约六至八周）需要使用的声音。前面的三天很重要，因为我要腾出内存空间载入音色。例如我为一个动作较少，温和的爱情故事工作，就可以删除一些长号的断奏采样，代之以更富于表情的音色。”“最重要的事情是知道弦乐器的弓有许多不同的运用，我总是准备好各种发音的音色：没有延长音的分弓、拨弦、碎弓（tremolo）、trill、弱音器、连弓奏法等。我的样本来自不同的音色库，有Denny Haeger和Miroslav Vituos制作的，也有少量是我自己采样的。“我发现关键的事情是组织声音。我使用的音色最少有3个力度层次，有时甚至4或5层。我在一个采样音色中安排P，mP，F，FF等不同力度的样本。通常用“力度开关”进行切换，例如非常轻地弹一个键时出现的是P力度的音色，重一点弹出现mF。而我用11号表情控制器做强弱变化。”[图1]鲁佩特设置成弹下一个键4个样本同时发声，而且他把11号表情控制器分配到调制轮。当调制轮转到0的位置，最弱的样本发声，推上一些就换成mP的样本，如此类推，决定于MIDI音量，但有区别于整轨的音量，发音的效果就象演奏家使用了更多的弓。这一方法演奏带渐强渐弱的连音（legato）乐句非常好。如果你手头的采样有限，甚至可以用编辑的方法改变音头和滤波器截止频率制作出有差异的新音色。我有时使用这一方法制作出弦乐用弓尖和弓根演奏的不同音色。虚拟乐队另外一件重要的事情是声像。想象你站在指挥台上，左面靠前是小提琴，圆号在他们后面，木管在中间，中提琴和大提琴在你右面，贝司在它们后面，打击乐在所有声部的后面。如果这样安排声像，就可以使所有的乐器各得其所，听起来很自然。我在采样器中设置声像，因为我的调音台没有许多输入。我使用混响器解决深度感觉，带有多重音频输出口的采样机优点之一就是可以把不同的样本分别送往不同的混响器。如果你把小鼓和弦乐加上相同的混响，小鼓就跑到跟前来了，听起来不可信。利用混响把小鼓推得远一些才符合实际。

创作总谱

为了得到对于每一乐句的时间和表情的最大控制，鲁佩特为他准备使用的各种发音特性各自建立一条音轨。[图2]“要花一点时间将它们混合起来，”鲁佩特说，“特别是用采样机制作连音的乐句总是非常困难，它们的发音往往落在后面。我量化这些乐句以后将它们往前提，使发音与拍子相符。然后我加长音符的时值，使他们互相有一点点重叠。”[图2]一旦这些轨做好，就可以录入了。如果这是一个经过句，我可以用一只手演奏，同时操纵调制轮管理表情。经常先演奏第一小提琴，然后转到编辑页，编辑力度和控制器数据直到满意。有时为了更好的音量和表情需要返工。他并不一般的反对量化，“有些人以为量化会导致机械化，但我使用量化。如果你制作一条大乐队音轨，基本都是marcato分弓和各类打击乐，作过量化就非常漂亮，象真的一样。但是如果你修改过音符的开始时间，就不能再量化了。或者你量化了某些声部，结果它们跟其他声部错开来，就麻烦了。所以我先作量化，然后做调整，甚至有意移动一些音符，使音乐跟人性化。有的作曲家不作量化，例如Gavin Greenway就是一个。他对音乐的要求很高，全部都实时演奏，完全不量化，因此他也就不能用拷和贴的编辑。他的作品非常音乐化，非常漂亮。但是说实在的，量化是件好东西，能节省不少劳动，关键看你怎样用它。关于弦乐演奏，鲁贝特说：“他们演奏一个音符，尽管谱子要求整个音都是F力度，但你将发现实际上在将近结束处有一个小的渐弱。要想不出现渐弱，除非作曲家写上渐强。所以与其始终把音量打到127，不如学提琴家们在音符结束处作一个渐弱，音乐听起来更逼真。要多想一想真实的乐器是怎样演奏的。”如果受到有限的MIDI器材的局限该怎么办？鲁贝特说：“如果你不能买成堆的采样器，仍然可以靠配器的手法获得好的结果。比如你想突出大提琴的旋律，但你的采样器中没有更多的大提琴音色了，
这时你可以用其他乐器如巴松或圆号给大提琴加倍，事实上它们也经常一同演奏。传统乐队配器中大提琴不常与双簧管齐奏，你也别指望这样来加强大提琴。如果你的小提琴声音发假，可以用长笛在同度或高八度上齐奏，或者用黑管在低八度上齐奏，声音将传得更远，虚假的小提琴声将被掩盖。但是我配器最大的诀窍是多听肖斯塔科维奇，向大师学习。虽然他不懂MIDI，但是他懂配器。无论
MIDI制作还是为真实乐队写作，你都能从倾听和学习中受益无穷。

钢琴谱变成

管弦乐谱的捷径

△准备好键盘输入的音序

△如果音序器允许，设置与演奏的速度和节拍相符的速度和指挥

冯兵 · 发表于 2005-6-26 20:59:00

第二部分 MIDI制作

MIDI基础知识（1） 1.什么是MIDI？
MIDI是乐器数字化接口(Musical Instrument Digital Interface)的缩写。所以说MIDI并不是一个实在的东西，而是一个国际通用的标准接口。通过它，各种MIDI设备都可以准确传送MIDI信息。

2.MIDI文件的实质是什么？
MIDI文件本身只是一堆数字信号而已，不包含任何声音信息。我们知道任何声音都有其波形，如果我们把某种声音的波形记录下来，就可以正确地反映这个声音的实际效果，WAVE文件就是这种形式，它在任何一台电脑上回放都是一样的。但是MIDI实际上是一堆数字信号，它记录的是在音乐的什么时间用什么音色发多长的音等等，而真正用来发出声音的是音源，但是不同声卡，不同软波表，不同硬件音源的音色是完全不同的，所以相同的MIDI文件在不同的设备上播放结果会完全不一样。这是MIDI的基本特点。但由于MIDI文件体积相当小，所以很适合在网络上传播。但是对于一个专业的MIDI制作者来说，是不可能把自己做的MIDI音乐作品以MIDI格式作为最终产品的，必须把它录制下来，所以绝大多数的MIDI制作者都不可避免地会进入录音这个更深奥的音乐工程中。

3.MIDI设备有哪些？
MIDI音乐的基本设备是三大法宝：音源，音序器，输入设备，接下来我们就来分别说明这三个基本设备。
音源——是一个装了很多音色的东西，所以它是用来发声音的，所谓装了很多音色就是指在一个音源内部有很多不同音色的样本波形，譬如钢琴就有钢琴的音色样本，吉它就有吉它的音色样本。但是音源也很愚蠢，因为它不知道在什么时候该用什么音色发怎样的声音，它好比只是一个资源库，至于如何调用资源不是音源的工作，这项任务是由MIDI制作的心脏——音序器来完成的。
音序器——俗称编曲机。它是这样一个设备：把一首曲子所需的音色，节奏，音符等等按照一定的序列组织好让音源发声，它实际上是记录了音乐的一般要素，拍子，音高，节奏，音符时值等，所有的音乐都必须由这些要素组成，音序器只不过是以数字的形式记录下它们。MIDI文件的本质内容实际上就是音序内容。
输入设备——如果你只是听MIDI音乐的话就不要输入设备了，而如果是制作的话就得要一个。这其实很容易理解，音序器的内容也必须由人来告诉它呀，为了符合人们原有的音乐习惯，人们制造了各种基于传统乐器形式上的MIDI乐器，如MIDI键盘，MIDI吹管，MIDI吉它，MIDI小提琴等等，你可以按照演奏传统乐器的方式去演奏它们，然后你的演奏便通过MIDI接口被音序器接收并存储为音序内容。所以制作MIDI音乐至少该会一样乐器吧！如果你一样乐器也不会（苦！），也不是没有办法，就是用鼠标点！这样你也可以告诉音序器你的音乐的内容，只是比较苦。
现在我们来做一个总结：制作MIDI音乐的过程是这样的，在音源上选择一个音色，在输入设备上演奏一段音乐，同时让音序器录制这段音乐，完了以后你的演奏就被转化为音序内容存储在音序器里了，然后播放这段音乐，音源就会根据音序内容用选定的音色播放这段音乐。

4.三大法宝的实际形式？
前面所说的音源，音序器，输入设备是一个理论上的概念，那么它们的实际形式是怎样的呢？下面就来详细介绍。
音源——分软音源和硬音源。所谓“软”和“硬”就是前者实质上是一个软件，必须通过电脑才能运行，而后者是一个实际存在的设备，是看得见摸得着的。软音源必须依靠电脑芯片和内存的工作来发声，我们常见的有Yamaha S-YXG100,Roland VSC88等，和其他软件一样，它们必须在电脑上安装后才能使用。硬件音源是一个实在的东东，大一点的和一个家用VCD机差不多大小，小一点的比一个光驱大不了多少，把它和你的音序器连接以后就可以使用了。事实上，音源可以做得很小，我们普通家用声卡上就有一个小小的音源，而它只是一块芯片，我们能直接用声卡听MIDI音乐就是用它作为音源的。在目前的专业MIDI领域中，硬件音源还是不可缺少的，虽然它完全是暴利产品。（详情见后文）比较有名的硬件音源有Roland JV1080,JV2080; Yamaha MU90,MU100,TG500等。
音序器——也分软的和硬的。软件音序器也是一个程序，必须在电脑上安装以后通过电脑才能使用。我们应用的很多MIDI制作软件实际上就是音序器软件，如Cakewalk,Encore,Cubase VST等。硬件音序器和硬件音源一样，也是一个实际存在的东东，体积一般都很小，比一个光驱大不了多少，和音源连接以后就可以控制音源发声了。比较有名的硬件音序器有Yamaha QY10,QY700等。和音源不同，在音序器方面，软件音序器早已击败硬件音序器占据了市场的主题地位，不象音源，硬件音源还存在许多方面的优点。软件音序器使用电脑这个大显示器，界面漂亮，实用，一目了然，且使用鼠标控制和操作，点哪儿是哪儿，修改非常方便。而硬件音序器只能靠两只手在面板上啪啪啪按键，显示屏再大也大不过电脑啊！修改音符参数十分复杂，光移动一个光标就要按好多次键，哪有鼠标“刷”一下过去方便！现在使用电脑+软件音序器制作MIDI音乐已经成为市场的主流，硬件音序器现在唯一的用处恐怕只是做现场了，毕竟它体积小，携带方便。不

caitirun · 发表于 2005-6-26 20:59:00

朋友们，好好学习啊，不用花钱交学费的音乐学院专业课呀！

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:00:00

MIDI基础知识（2） 1.关于硬件设备与电脑的连接？
最常用的方法是使用一根MIDI CABLE线与电脑声卡上的JOYSTICK口连接，该线的一头是15针的插口，接在声卡上，另一头有MIDI OUT和MIDI IN的5芯MIDI接口，把MIDI OUT接你设备的MIDI IN，MIDI IN接你设备的MIDI OUT（别搞反了）。如果你的设备没有MIDI IN口，你也可以买只有一个5芯MIDI接口的MIDI连接线。（有的MIDI键盘就只有MIDI OUT口）。MIDI CABLE线在上海价格约为150-200元，如果你有能力也可以自制，这里有线路图（摘自ATTIC小组的网页）

2.合成器到底是什么东西呢？
合成器自诞生以来，其概念已发生了很多变化。其实最早的合成器是真正意义上的合成器，它通过人为地调制各种波的参数来自己合成音色，锯齿波，方型波，滤波器，截止频率，人们每天就和它们打交道，每个演奏者都不象艺术家而象数学家，而合成器的模样也给人感觉是机器怪物而不是乐器。在那时看来，合成器就是一个用来发怪声音的东西。以后合成器记经过了FM，采样音色等发展阶段，到现代，合成器的概念已经不是一个人为合成音色的东西，它拥有大量真实的采样音色可供演奏使用，它拥有自己的音序器可以录制编辑音乐，它拥有MIDI接口可以与其他设备交换信息，有时侯我们可以认为现代的合成器是这样意义上的“合成”，即集音源，音序器，MIDI键盘于一身的设备。你只要拥有一台带音序器的合成器，就可以自己制作MIDI音乐，进行现场演奏等等。然而随着软件音序器的普及和占据市场，合成器的硬件音序器由于它的繁琐而魅力大减，音源，音序器，键盘三位一体的方式受到挑战，商家认识到电脑制作MIDI是将来的趋势，便不失时机地推出了一系列适合为电脑配套的合成器，它们省去了音序器，音序任务由软件完成，合成器只提供键盘和音色，这就降低了合成器的成本，受到市场欢迎。又随着独立的硬件音源和和采样技术的普及，有人觉得合成器的音色也是多余的，因为独立音源可以提供更好的音色，于是不带音序器和音色的MIDI控制键盘也随即产生，这类键盘有较强的控制功能，音色用音源的，音序器用软件的，可谓是专物专用，而且只要添加音源或采样器就可以得到更多的音色，更换音序软件就可以使用更强的功能。所以这种“三权分立”的方法是目前最常用的也是最实惠的。

3.GM，XG，GS是什么？
它们都是MIDI格式标准。GM标准是他们中的老大，资历最老。GM标准定义了我们最常用的128种乐器，音效和控制器的排列，我们现在从网上当下来的MIDI文件都应该是支持GM标准的，然后你的播放设备也应该支持GM标准，这样我们才能用正确的音色回放MIDI文件，要不然音色排列不对的话，你想象过用点贝司演奏弦乐声部会是怎样的效果吗？至于XG，GS，前者是YAMAHA公司定义的MIDI标准，后者是ROLAND公司的。我们通俗点理解就是人们觉得128种音色不够，于是他们又对GM进行了补充，又定义了128个音色库来装音色，还扩展使用了GM里没有用到的控制器，YAMAHA用了很大的工夫与资金来宣传他们的XG标准，并且开放XG产品的系统码，扩展控制器的控制范围，力争做到XG标准的MIDI作品可以在任何XG音源上正确回放，这当然要求MIDI制作者对XG也要有相当了解，至少能正确使用烦人的系统码。ROLAND的GS标准本质上是与XG一样的，也是对GM的扩展，只是他们的宣传远没有YAMAHA卖力，所以应用得不如XG广泛且熟练。
所以说，如果你的设备支持XG或GS，它们肯定支持GM，但你的设备若只支持GM，就不一定能支持XG或GS。你创作的MIDI作品也一样。
如果你不想通过网络或其它方式让别人共享你的MIDI作品，你完全可以不管什么GM，XG，GS，只要在自己的音源上放出你要的效果，然后录制下来，做成卡带，CD，DAT，WAVE，MP3，RA，别人就可以正确聆听你的作品，什么回放的问题你都不需担心。 4.什么是控制器？
控制器也是MIDI信息之一。音序器记录的MIDI信息实际上有两大类：1，音符信息 2，控制信息。音符信息前面讲过这里不再复述。控制器就是对音色和音乐的其他参数进行调整，比如音量的变化就是控制器之一，音色的混响有多少，合唱有多少，音色的声象位置是什么，颤音幅度有多少等都是控制器信息。它们和音符信息一样重要，一首乐曲要恰当利用控制信息才会有人性。以Cakewalk为例子，我们可以在Piano Roll的下半个窗口中，选择Controller下的Volume（音量），在乐曲的某个地方插入Volume的一个值，如果这个值很小，如10，那么当乐曲放到这里时，音序器收到控制器信号——Volume=10，我们就会听到乐曲突然变轻了，然后就会一直维持这个音量，如果我们在后一小节又插入控制器Volume=127（最大值），那么音乐到了这里就会立即响起来，在没有得到新的控制器信号之前，音乐会以这个信号的值一直保持下去。如果你聪明的话，就能想到，如果在一个小节内连续给音序器一个由低到高的一个Volume的值，那么“渐强”不就出来了吗？对，而且这可以在Cakewalk中轻易地用一根斜线一拉了事。（实际上，我们应该用11号Expression来做渐强和渐弱，这里只是一个说明性演示，具体原因以后再说吧！）控制器中有很多秘密，

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:20:00

MIDI音乐的播放 或许你会说，播放MIDI文件还要你教？在资源管理器里双击MID后缀的文件，Windows就会自动打开媒体播放器进行播放了。的确如此，不过，如果你的声卡比较次，那么MIDI音乐很快会让你兴趣索然，因为MIDI音乐的播放对声卡的音色要求是非常高的。一个简单而有效的解决方案就是安装软波表，比如YAMAHA SYXG－100就是一款很不错的软波表。安装软波表后（往往需要重新启动），双击MIDI文件播放，这时候你会发现同一个MIDI文件播放效果会有惊人的不同，这也是MIDI文件一个很显著的特点。和普通的MP3文件不同，MIDI文件在不同的电脑或不同的设备里播放，其效果可以相差十万八千里。这个特点可是MP3或普通CD所没有的，总不至于一个张学友的MP3或CD歌曲在不同的电脑里播放会变成刘德华的歌曲吧。但一个钢琴音乐的MIDI文件，在不同的系统里播放却有可能会变成小提琴音乐！不可思议吧？
　　我们判断一款软波表效果的好坏，主要从三方面：
　　一是乐器音色的真实程度，因为MIDI音乐里的乐器是“假”的，所以效果往往比不上CD音乐里真实乐器的音色（甚至相差很远）。一个优秀的软波表应该尽可能地模仿真实乐器，模仿得越像该软波表就越好。而且音色要比较结实，虚浮的音色让人觉得不够力度、不够满足。
　　二是频率响应的范围，通常的软波表对高低音的响应有些失真，特别是高音，往往有些“破”的感觉，而低音又有些夸张。一个好的软波表应该在整个人耳的听觉范围内（20Hz－20KHz频响范围）有着比较平均和客观的表现。
　　三是层次感，一个好的软波表必需要有好的层次感。你想想，如果一个音乐没有层次，听起来就会像一团浆糊，何来美感？一般的软波表通常都有不同程度的模糊感，想达到专业设备那样的透彻音质暂时是不可能的。
　　如果你还想通过播放MIDI音乐来学习音乐，或者更直观地了解音乐里整个旋律的走向以及各个乐器所演奏的音符，那么你最好用我们上期所介绍的Cakewalk软件打开MIDI文件，并打开五线谱窗口，然后按下播放按钮进行播放。这时候，五线谱里会有一条黑线不停地往前走，黑线的位置就是当前音乐演奏的位置，黑线走过某个音符，该音符就会发亮，表示正在演奏，非常有趣。更酷的是，你甚至可以关掉某个乐器，或者单独听取某个乐器的演奏，这可是Windows的媒体播放器所绝对做不到的。
　　下期我们还移要介绍软波表的方方面面。
播放MIDI音乐的硬件
　　几乎每台电脑都有一个播放MIDI的硬件，那就是声卡。现在，声卡已经成为一台电脑的基本配置了。或许你会不明白：“难道除了声卡，还有其他设备可以播放MIDI文件吗？”这个问题问得实在是好，我们又得从头说起了。
　　所谓“可以播放MIDI音乐的硬件”，换句话说就是“可以接受MIDI信号并会作出响应的硬件”。上期已经说过，MIDI是“五线谱”，只不过这种五线谱是给电脑“看”的，为了更深刻地理解这种“五线谱”，我们先来看看人类的五线谱。如果你是一名小提琴手，你看着五线谱然后演奏，这时候，小提琴发出了声音，注意：是小提琴发出声音而不是五线谱发出声音！这个例子说明一个很关键的问题：五线谱本身是不会发声的（尽管五线谱上面记载了音乐的信息），它必须通过人的识别并演奏出来，才可以把记载在五线谱上面的音乐信息重新表达出来。与此相对应的是录音带，它不需要人的识别，只要播放就会发声。因为它上面记载的严格地说不是音乐信息，而是声音信息。五线谱记载的则是音乐信息而不是声音信息。所以，录音带上的小提琴音色，无论拿到哪个录音机播放都是小提琴音色；但如果你拿着一个小提琴的五线谱给一个钢琴手演奏，那么小提琴谱一样可以演奏出钢琴音乐来。
　　我们回过头来看看播放MIDI的过程，这个过程实际上就是电脑“识别”MIDI，然后再演奏出来的过程。电脑用什么来演奏——这就等于问人演奏是用小提琴、钢琴、手风琴？电脑实际上通常是用声卡来演奏，再具体一点，就是用声卡上的合成器芯片来演奏，但电脑也可以用其他具备合成器芯片的设备来演奏。比如，如果你有电子琴，你就可以让你的电脑来控制你的电子琴播放MIDI音乐！更进一步，你可以用你的电脑来控制你的电子琴进行音乐创作。电脑和电子琴具体的连接可参考图示（如图1）
　　需要解释的是，我们的声卡通常有一个15针的游戏杆接口，这个接口不但可以接游戏操纵杆，而且它通过一种连接线（一头是15针接口，另外一头是两根5芯的MIDI接口）还可以直接连接到其他带MIDI接口的设备上，比如电子琴或者合成器、音源、采样器等设备（这些都是专业MIDI设备，普通爱好者或许不太清楚）。细心的朋友可能已经发现，电子琴还可以通过MIDI OUT接口把MIDI信号输入到电脑里，但这有什么用处呢？用处可大了，你可以把在电子琴上演奏的歌曲输入到电脑里，必要的话，还可以进行细致地编辑，然后再播放出来。实际上，这就是利用电脑进行音乐创作的基本过程，最复杂的电脑作曲，也不外乎是这些过程，只不过设备更加多、编辑步奏更加复杂而已。
　　现在你也应该明白，除了声卡外，还有许许多多的专业硬件是可以播放MIDI音乐的（图2）。为什么需要这些专

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:23:00

电脑音乐制作技巧谈 一首音乐作品的录制完成 ,大体是三个环节 :作曲——演奏——录音 ,严谨考究的总谱写作加上乐队规范平衡的演奏 ,从录音中可以得到忠实的再现。然而制作的最终结果是追求与原总谱意图和乐队实际物理位置尽可能的—致 ,不走样或少走样为前提 ,通过录音技术手段去弥补总谱写作或演奏中的不足。
一、用 MIDI键盘输谱
1、用键盘输入音符时 ,要尊重所选的音色 .常规乐器的发音特点。例如 :输入弦乐时有连音、分弓、断弓之分 ,而输入铜管的小号、圆号时要注意它们除连音外每个音起奏较清楚的吐音奏法特质 ;而输入长号时必须考虑到它每个不同音高之间可能要有移动把位的时间 ,决不可把每个音符奏得太满 ;而木管和铜管一样要有清晰的乐句间的换气处 ,不能—口气吹的时间太长而失于真实。同时 ,还应注意到诸如单簧管及铜管一般不奏颤音 ,长笛、双簧管、大管和个别独奏铜管则可视乐曲需要加上颤音这样的细节 ;此外弦乐群的音色绝不要加上颤音。弦乐的拨奏也不应太强。流行音乐一些乐器也一样力争尊重其演奏特质。如吉它的分解和弦就应考虑其定弦及指法 ,不能完全按照钢琴去写 ;电贝司 ,其奏法十分花哨 ,除围绕低音进行而经常用的经过音及小走句外 ,滑奏和八度跳跃的打弦技巧也需要配合音色的变化而出现 ;同时它与鼓尤其是底鼓的关系 ,决非按普通弦贝司的低音进行 , 加上简单的音型化而能解决的。
2、用键盘输入音符 ,不管是用管弦乐还是流行音乐方法 ,还应遵守常规乐器的自然音区 ,不能低于或高于两端的极限音 ,除非你别出心裁 ,要用某乐器的极端相反音区造成特殊效果。
3、要掌握处理乐曲这一属于指挥范畴的手法。可以通过对作曲软件上提供的速度、力度、音色、颤音、滑音、音头等控制的细微调整 ,使音乐演奏完全符合自己内心中现象的模样 ,从而体验到了调动一个听话的乐队 ,照自己想象演奏的作曲兼指挥的乐趣。除了用 MIDl键盘外 ,还用 MIDI吉它、MIDI萨克斯、MIDI鼓机等。另外 ,使用电脑音乐系统制作管弦乐队作品 ,除特殊情况外 ,不一定按照总谱全部录入。要学会合并与省略 ,重复和复合音色要保留突出和个性的声部。
二、各种乐器声像的安排 
用电脑音乐系统制作音乐 ,你可以随心所欲的设计使用音色和空间 ,不必顾忌与现实是否吻合。可以把任意一个音色置于你想象中的远、近、左、右任意一个位置。制作精良的音乐作品 ,会使你在欣赏音乐的同时 ,能够明显的感觉到每件乐器的位置所在 ,并且好象身临其境的位置于一个美妙的声场空间中。制作从远到近。一个声离你越近 ,音量越响 ,声音越亮 (高频成分越多 ),音色越“干”(直达声越多 )。相反 ,声音离你越还 ,音量越小 ,声音越闷 ,音色“湿”而越显含混 (反射声越多 )。一个乐队的“景深”和纵深感的
形成与此有关。如何把各种乐器按演奏需要尽可能合理地拉宽排开并非难事 ,但如何拉开乐器前后的距离并产生纵深感则要结合混响。当你把某个声部混响加大时 ,这个声部的发音点肯定就会听起来觉得远一些 ,这样 ,当我们把不同声部的混响值设得不一样时 ,它们就产生了前后的距离感。利用这个原理可以在安排左右声像的同时把前后声像也安排出来 ,乐队就有了纵深感和层次感。你可以为不同的乐器音色做不同效果处理 ,模拟或制造出—个“真”的或“假”的空间来。并可以设想乐队所处的演奏空间 ,它可能是教堂、音乐厅、房间等等。在一般情况下 ,选择其中一种混响方式 (通常一次只能选一种 );也可能是创造实际不存在的特殊空间 ,比如想营造一种虚无飘渺、神秘和远古、太空的气氛等 ,这种空间运用实际上是作曲家想象出来的。乐队应该是主体的 ,有前后 ,也有左右。因此你要为每一个乐器增减适当的混响。这是制作一首乐曲所不可忽视的手段。可以为某些声部临时插入完全不同类型的效果。也就是说假设一个人在大教堂中演奏 ,而另一个人在一个小房间中演奏 ,虽然俩人所处声场截然不同 ,但却是一首乐曲中的两个角色。听起来会感觉与众不同。这种“跨越时空”的声音处理手段对非常规音乐作品的制作有时非常有用 ,1 ,乐队的声像安排各不相同 ,爵士鼓组因厂家己预置好 ,原则上不必再改动。零碎打击乐器可酌情安排 ; 2 ,低音乐器 ,如电贝司根基与声音定位不明显一般放在中间 ; 3 ,作为织体的吉和 (电钢琴音区相近 ,可适当左右对称 ; 4,小提琴则偏左 ,大提琴偏右 ; 5,遇到大段的独奏声部 ,可适当考虑中间附近安排 ; 6,其余乐器的作用也注意在音乐进行中原则上保持左右声部的大体均衡 ,不能长时间的偏移一边。
三、整体及各声种混响效果的设置 (略 ) 
四、合唱效果的使用
合唱效果能有效地加厚音色 ,单个乐器会因合唱效果器的调大而变得饱满圆润 ,群感类的音色会因加大合唱而显得深厚宽广。所以在后期音色的修饰上要仔细的调整各轨的音色的合唱效果。需要注意的是不能盲目的增大合唱参数 ;因为那样会使有些音色由于过于沉厚而走样 ,整体效果也会因各音色的偏厚而损失高频 ,听起来感觉发闷 ,混浊且层次感差 ,所以大原则是首先照顾群体类音色 ;

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:25:00

CAKEWALK 9 点点通 音乐创作前的“热身运动”说道用电脑创作音乐，你先别皱眉头，其实没有你想像的那么复杂，只需要一台电脑，一对音箱，一个软件就可以搞定。简单的设备，很低的投入就可以作出心仪的天籁之声，不信？好，今天就让我带领你走进CAKEWALK 9的电脑音乐创作世界…… 

“CAKEWALK是什么东东？”啊，你连这个也不知道，它几乎已经成为电脑音乐的代名词，其地位可见一般。CAKEWALK是一个音序器软件，用它组合各种音色，编辑各种MIDI信号，然后再按照你的意思演奏出来，就是这么简单。这么多年过去了，CAKEWALK也几经从最初WIN32的1.0演变到今天的9.0了，其功能当然大幅度提升，可以满足各种专业性电脑音乐制作的需要，而且这个软件的覆盖面之广也是让人叹为观止的，到处都可以找到，好了废话不多说了，先来练练成为一个电脑音乐家前的热身运动吧!1. 硬件设置CAKEWALK 9工作在电脑声卡的环境中，所以使用前应在软件中对电脑声卡进行简单的设置。在OPITIONS—MIDI DEVICE的INPUT PORTS里设定声卡MIDI输入，OUTPUT PORTS里设定声卡MIDI合成设备，然后选OK就行了。
2.乐器音轨的设定创作音乐以前除了心里有一个调子、有一些旋律之外，更重要的是应该有一个编配乐器打算，也就是说这个曲子你计划用哪些乐器，这些乐器该如何的搭配以期达到你预想的效果，帮助你完成这段旋律或节奏。在CAKEWALK 9中可以通过音轨设定完成上面的这些操作。具体方法是：双击音轨窗口中任意一项栏目，在弹出的音轨窗口TRACK PROPERTIES里设置。例如：SOURCE里选择NONE;PORT里选声卡MIDI合成装置;CHANNEL设定MIDI通道（一共只有16个通道可以设置）;BANK SELECT选NORMAL；BANK选NONE;PATCH里即是这一音轨所用的乐器，你可以看到类似PIANO,BASS,STRING等等的乐器，选择一个听听看!这只是调用声卡内部音色库的最基本的音色设置，如果你是使用创新声卡的用户，那么你就可以享受创新声卡所独创的SOUNDFONT音色库技术了，将SONDFONT的高质量音色运用到你的音乐中，将获得更好的效果。只是音轨设置时与前面所述有一些小小的差别:先在OPTIONS—SOUNDFONT中选定双击一个BANK编号并将你的SF2音色调入，然后回到音轨设定窗口，在PORT中选SOUNDFONT DEVICE；BANK SELECT选CONTROLLER 0#；BANK里选刚才调入的BANK编号，PATCH里就可以选择SF2音色了。没有创新声卡的朋友可不不要流口水哦，嘻嘻!KEY表示音轨的音高，输入＋12升高一个八度，—12降低一个八度;PAN是声相，也就是说声音是在左声道还是右声道，0表示声音全部在左边，127声音则在右边，64表示在中间；VELOCITY力度大小，一般设定为0；VOLUME音轨音量，范围从0-127，合理安排不同音轨的音量是音乐制作最基础的步骤之一，象和声的弦乐，低音贝斯等音量不宜过大，而独奏的钢琴、吉他应适当加大音量。CAKEWALK 9中每个音轨一般占用一个通道，使用一种乐器，一首乐曲正是通过这一个个的音轨所构成的。但要注意的是第10个通道，这是打击乐通道，也就是说在这个通道下无论你选择什么乐器都只能听到打击乐器的声音，所以在设置的时候应该将它预留给打击乐音轨。好了，创作一首乐曲的前序工作准备就绪，接下来我们正式进入音乐制作阶段

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:32:00

常用MIDI控制器使用大全 制作MIDI需要几步？仅仅是将音符输入电脑就完成了吗？答案当然是不。要项获得更好的效果，还应该进行进一步的调整，增加乐曲的表现力。在我们制作MIDI的时候，往往会忽视控制器和效果器的使用，这样我们的音乐厅起来便很干、很生硬。
在各种标准音源设备中，XG音源对控制器支持最全面。下面就为大家介绍XG控制器的使用方法及技巧。如果您的音源不支持XG格式，那么它可能不支持以下介绍的所有控制器。

XG规格控制器一览：

我们将不一一介绍所有的控制器的使用方法，只是仅将常用的、最实用的控制器介绍给大家。

1号颤音：
这个是我们常用的，它在合成器上有个轮，名字叫“Modulation”（调制轮）调制轮是可以分配的。通常默认值分配给1号控制器，也就是颤音。它是实时录音的，尽量不要修改。觉得不满意最好从新录制，不然修改了比较不自然。它的可取范围是0-127。

2号呼吸控制器：
它是使用呼吸控制器直接输入的。也就是说，它是实时录音所得到的。有些时候您觉得不理想，可以修改它。需要注意的是气口、起音、落音的自然。它的作用是渐强、减弱、淡入、淡出的幅度。听起来一定要有是真实的、人吹的感觉。SAX等音色运用最多，其次是弦乐的独奏。弦乐独奏一定要给人一个真正的演奏员在拉琴的感觉。2号呼吸控制器的可取范围是0-127。和7号音量控制器、11号表情控制器的作用相似，都是改变声音大小用的，但一般我们都用11号。

5号滑音时间：
Portamento Time（滑音时间）这个控制器不单独使用。它在单独使用时候没有效果，因为只有了滑音时间，而滑音的开关没有打开。那么65号滑音控制器就可以算是一把钥匙。也就是说65号的默认值是关闭状态，将它改为任意一个大于“0”的数字，“锁”就开了。然后用5号设定滑音的时间，数值越大，滑音时间越长，反之则越小。5号的可取范围是0-127，我们一般将它设置在20-30之间。它和65号都是用鼠标输入的。（“未曾初始化的piano演示”是运用滑轮作的，而“未加5&65控制器的sybass演示”是运用5&65控制器作的。仔细研究吧~！）

7号音量：
它是控制Volume（音量）的一个控制器，这个控制器是我们在作MIDI时候必须使用的。它是保证个声部音响平衡的关键。它的可取范围是0-127。我在初学MIDI时候，常常为了声音大，而把它调到127。后来发现，后期缩混的时候很本没有上下调节的于地。所以我建议将它的初始值设置成为80左右。7号控制器和11号控制器有着密切的联系，还是在我初学MIDI的时候，不知道有个控制器窗，便用软调音台的音量滑块改变乐曲中渐强、减弱、淡入、淡出的幅度。这是不对的！如果想改变，请使用2号或者11号控制器（11号常用）它是用鼠标输入的，而且变化不要连续的太快。

它是控制某一轨强弱变化的一个控制器，这个控制器是我们在作MIDI时候调整乐曲中渐强、减弱、淡入、淡出时使用的。它的可取范围是0-127。我在初学MIDI时候，常常为了临时改变声音的大小而调整7号（音量）控制器。后来发现这是不对的，便改为调整11号表情（Expression）控制器。7号控制器和11号控制器有着密切的联系，许多人不知道这个控制器，便像我一样了……如果像作得细致就必须知道每样乐器的特点。作弦乐的时候要把拉弦感、换弓感作出来，注意音符的力度值打到最大。管乐一般慢节奏的时候用11号控制器，快的时候或顿音时改变力度就可以了。一个长音起伏、渐强、渐弱等等，都要用到这个控制器，而且它的参数也应该是不断变化的。如果与1号控制器配合使用，那么长音乐器声部的效果就会更逼真了。它与2号呼吸控制器的作用相似。可以实时录制，也可以用鼠标画。

10号声像：
是一个非常重要的控制器,用好了会使音乐听起来很"专业"。何为声像呢？举个例子，在音乐厅听交响乐时，各个不同的乐器是从不同方向进入你的耳朵的，比如说小提琴在左，大提琴在右等等，这样听起来音乐的层次感很强，小提琴和大提琴的声音你都会听得很清楚。而如果把小提琴手和大提琴手都堆到音乐厅中间演奏，音乐会变得含混不清。制作MIDI也是这个道理，我们要控制好乐曲中的每种乐器的位置，也就是声像。
声像的控制也非常简单，在一般的音序软件(如CAKEWALK，MUSICATOR等)中都使用64这个默认值(也就是声音在正中间位置)，最小值0表示最左边，最大值127代表最右边。(见图一，二)，而在XG音源中默认值是C(我猜是CENTER的意思，对吧？)它也是代表中间声像位置，取值范围在L63-R63之间。

Cakewealk的音轨窗口就可更改整条音轨的声像（Pan）值
大家也许会问，我怎么知道何种乐器放在何种位置呢？刚开始不知道如何布置乐器的声像没关系，只要明确一点：无论如何，一首乐曲的声像不能全都堆在中间。这样的乐曲听起来会有一锅粥的感觉--啥也没听清楚。比如有一个吉它音轨，音量已经很大了却还被压在背景音乐厅中听不出来，试着把它的声像掰向一边，你会惊奇的发现吉它声音变得清晰了。另外当几个吉它音轨合奏时，声像的控制就显得更加重要了，必须把声像掰的开一点，散一点，要不然几把吉它就会打架。还有，当吉它与钢琴合奏时，如果钢琴

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:34:00

什么是VST、DX、VSTI、DXI 1．VST 　 VST是Virtual Studio Technology的缩写，他是基于Steinberg的软件效果器技术，基本上以插件的形式存在，可以运行在当今大部分的专业音乐软件上，在支持ASIO驱动的硬件平台下能够以较低的延迟提供非常高品质的效果处理。要达到VST的最佳效果（也就是延迟很低的况），声卡要支持ASIO。 VST效果器覆盖了几乎所有音乐制作里用到的效果器，而且由于VST技术的开放性，很多大厂商，小厂商，甚至是个人开发了数不清的VST效果器，有些是相当成功相当实用的效果器，连好来屋的电影制作中都用到了这些VST插件提供的顶级效果。 能够使用这些VST插件的音乐软件我们称为VST宿主，常用的有Samplitude（7.0以后的版本），Cubase VST32，Cubase SX，Wave Lab，FruityLoops，Orion，Project5等等。VST效果器都是来处理音频的，所以都要加载在音频轨中使用，MIDI轨不能使用VST效果器。2．DX？ DX是DirectX的缩写，他是基于微软的DirectX接口技术的软件效果器技术，基本上以插件的形式存在，可以运行在当今99%的PC专业音乐软件上（毫不夸张），在支持WDM驱动的硬件平台下能够以较低的延迟提供非常高品质的效果处理。 DX效果器覆盖了几乎所有音乐制作里用到的效果器，而且由于DirectX技术的开放性，很多大厂商，小厂商，甚至是个人开发了数不清的DX效果器，有些是相当成功相当实用的效果器，连好来屋的电影制作中都用到了这些DX插件提供的顶级效果。 能够使用这些DX插件的音乐软件我们称为DX宿主，DX宿主比任何其他类型插件的宿主都要多（前面说了要有99%），常用的有Samplitude，Cubase，Sound Forge，Wave Lab，SONAR，Cakewalk，FruityLoops，Orion等等。DX效果器都是来处理音频的，所以都要加载在音频轨中使用，MIDI轨不能使用DX效果器。3．是VSTi VSTi是Virtual Studio Technology Instruments的缩写，他是基于Steinberg的虚拟乐器技术，基本上以插件的形式存在，可以运行在当今大部分的专业音乐软件上，在支持ASIO驱动的硬件平台下能够以较低的延迟提供非常高品质的效果处理。要达到VSTi的最佳效果（也就是延迟很低的情况），声卡要支持ASIO。 VSTi软合成器与VST效果器不同，他是控制MIDI轨的，每个VSTi插件都为你提供了很多的音色，以及丰富的参数控制让你自己创造出独一无二的音色。不同的VSTi有着不同的音色合成方法，波表合成器，模拟合成器，FM合成器，VSTi都可以胜任。 能够使用这些VSTi插件的音乐软件我们称为VSTi宿主，常用的有Samplitude（7.0以后的版本），Cubase VST32，Cubase SX，FruityLoops，Orion，Project5等等。VSTi虚拟乐器可以看作是软音源，所以只能加载在MIDI轨上。4．DXi DXi是DirectX Instrument的缩写，是Cakewalk公司在DirectX基础上独立开发的软合成器技术，基本上也以插件形式存在，现在只能运行在SONAR上（注意：Cakewalk不支持DXi，Cakewalk到9.0就停产了，取而代之的是SONAR），在支持WDM驱动的硬件平台下能够以较低的延迟提供非常高品质的合成音色。 DXi软合成器与DX效果器不同，他是控制MIDI轨的，每个DXi插件都为你提供了很多的音色，以及丰富的参数控制让你自己创造出独一无二的音色。不同的DXi有着不同的音色合成方法，波表合成器，模拟合成器，FM合成器，DXi都可以胜任

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:38:00

电脑音乐—音乐教育的必由之路 电脑音乐对于音乐教育有着特殊的意义。音乐是最适合运用电脑教学的领域。这样说是出于两方面的原因： 　　一方面的原因在音乐方面。音乐的本质是声音，音乐是一种声音的艺术。 学习音乐对于人的素质成长有着十分特殊的作用，由于音乐是作为声音直接作用于人的心灵的，因此学习音乐的目标，首先在于提高人的“音乐感知能力”，也就是对于音乐的分辨、记忆、分析、鉴赏的能力。学习音乐的途径只能有一个，那就是音乐实践，包括三个方面：听、奏（唱）和作（作曲）。正因为音乐是声音的艺术，所以音乐学习的起点和归宿自始至终不能离开“听得见”的声音，而我们在音乐课上使用的乐理书、教科书和乐谱，那些“看得见”的文字和图形，都不是音乐本身，而只是学习音乐的辅助。可是我们在学习“听得见”的音乐的过程中，又经常要靠“看得见”的文字和图形来帮忙。这是因为人的生理功能的发展不平衡，人的听觉的分辨和记忆的能力，要比视觉的分辨和记忆的能力要差得多，所以学习听觉的音乐的时候要靠视觉的文字和图形来帮忙——经常需要声音与乐谱、听觉与视觉的迅速转换。这是学习音乐与学习文学、美术、历史、数学等学科显著不同的特点 　　另一方面的原因在于电脑方面：音乐学习所要求的听觉与视觉形象的迅速转换，恰好是电脑的长项。电脑音乐的基本原理，正是在于它的“事件分离”的特点。简单的说，我们在传统的音乐活动中的每一个行为（act），例如在键盘上按响一个音符，对于人来说是一个动作，发生了一件事情，对于电脑来说却是发生了多个“事件（event）”——包括音的音高、位置、长短、力度、音色等等，可以单个分离、单个处理——这就叫做“事件分离”（请参阅拙作《电脑音乐刍论》，载《中央音乐学院学报》1995年3期）。电脑音乐能够在音乐教育中大显身手的原理，正是由于电脑音乐通过“事件分离”，能够轻松而准确地实现声音与乐谱、听觉与视觉的即时转换。举个例子来说，通过乐理课我们知道“大三度”由4个半音构成，“小三度”由3个半音构成，我们在五线谱上可以用画图的方法从一个音向上或是向下数半音而写出大三度和小三度： 　　但是，更重要、更有意义的是要从听觉上来迅速地、准确地判定大三度和小三度不同的音响，而且是要通过乐谱和音乐音响的反复的联系和对比，使得看到乐谱就能够“听到”（从内心中感觉到）音乐，听到音乐就能够“看到”（从想象中看到）乐谱——这正是音乐家所必须具备的基本功——对于这种转换，初学者当然会感到困难，可是电脑做起来真是轻松极了！在电脑的帮助下，经过反复的听觉—视觉的对比，音乐学习的效率和质量当然会有明显的提高。 　　电脑音乐教育所需要的设备，当然离不开电脑，但是最重要的，是要有具备音乐教育功能的软件，然后是输入设备——使人可以输入乐谱或者声音，最后还有输出设备——转换成声音或者乐谱让人听见和看见。这样，就达到了人和电脑之间的音乐信息交流。 　　普通用于作曲、写谱的软件都可以在音乐教育中发挥作用，例如教师备课、编写和出版教材、进行课堂示范等等。此外，还有许多专门用于音乐教育的软件，主要可分为以下4类： 　　1.用于练耳和听写的软件，通过电脑训练人听辨、记忆和听写音高、节奏、音程、调式、和弦（包括和弦进行）和旋律等，电脑发出音乐，人听辨并作出反应，随后电脑作出对错的评判和成绩的评定，就好象有一位高水平的和蔼可亲的老师从头至尾在陪着你练习一样。 　　2.用于练耳和听写的软件，同样包括音高、节奏、音程、调式、和弦、旋律等内容，由电脑发出声音或写出乐谱，人跟着唱或者照谱唱，由电脑作出评价。 　　3.用于乐理、和声教学的软件，系统地讲授有关五线谱、谱号、调号、音阶、调式、音程、和弦及和弦进行等方面的知识。 　　4.讲授音乐知识的软件，通过生动活泼的、听觉和视觉相结合的方式讲授有关音乐史、音乐家、音乐作品等方面的知识。 　　电脑音乐用于音乐教育的最大优点不仅是听觉和视觉的紧密结合，而且在于学生在学习中不再是被动的接受，可以根据能力、水平、兴趣选择适合自己的程度和内容，形成了一种新型的教师/学生/电脑的“三角互动式”的教学方式，有利于学生主动性、创造性的发挥。 　　电脑音乐对于音乐教育的重大作用，近年来已经在我国的音乐教育界人士中得到越来越广泛的认同。1998年年初中国音协设立“音乐基本素养”考级系列，从构思时就将“开发电脑教学软件，推广电脑辅助教学”作为四项基本措施之一，并且明确提出“现代科技手段的引入，将对我国社会音乐教育产生很大的推动作用。”当年夏天在沈阳举行的第七届国民音乐教育研讨会上，我们根据我国的国情提出“我国当前全民音乐素质较差；国家和人民的财力、物力不足；师资严重缺乏——在这样的条件下，电脑音乐所能发挥的作用，较之西方发达国家，意义尤为重大：电脑音乐是

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:46:00

如何利用作曲软件辅助乐队训练 电脑音乐和我们生活的联系越来越密切，大家每天从广播、电视上听到的音乐有很多是电脑音乐作品，它们是利用作曲软件制作出来的。音乐作曲软件有很多，如Cakewalk、Cubase、Logicaudio、Master Track Pro、Band-in-a-box、Jammer及国内的如“音乐大师”、“TT作曲家”等等，其中最专业化的作曲软件是Cakewalk，它界面美观，功能强大，在大陆占领了90%以上的市场。作曲软件主要作用是用于制作乐曲，但我们也可以把它灵活应用，比如用它辅助乐队的训练。下面笔者以Midi Orcherstrator Plus(简称MOP)为例谈谈作曲软件在辅助学校乐队的应用。
　准备部分
　　计算机在音乐方面的应用很方便易行，一台多媒体电脑就可以，配置也不需要非常高档，但声卡和音箱最好能好些，这样保证声音质量。利用作曲软件辅助学校乐队训练最方便的是辅助学校铜管乐队或管弦乐队练习，因为标准MIDI的128种音色中有这些西洋乐器的音色，声音效果不错，但是没有中国民族乐器音色，如果要制作民乐曲，就需要另外的音源或用音色采样技术了。
　　作曲软件MOP只占1.61MB的空间，是由VOYETRA公司开发的，它特色鲜明极具魅力，CREATIVE公司用它作为SOUND BLASTER声霸卡随卡赠送的应用软件。（CREATIVE公司在新一代产品SOUND BLASTER LIVE声卡所带的作曲软件是Cakewalk）。MOP使用起来要比Cakewalk更简单方便，它虽然功能没有Cakewalk强大，但对一般的音乐工作者它已能适应。
　　先得把乐队将要排练的曲子输入电脑。常用输入方法有以下几种：①琴键输入。从与电脑相连的MIDI键盘输入是最方便和快捷的一种方法。如果你的电子琴有MIDI接口，那电子琴可以通过MIDI电缆接到声卡的MIDI接口当MIDI键盘使用。或者也可用合成器的键盘输入。打开MOP，出现了音轨-编辑窗，在第一行输入音轨名称，在R对应的空格中用鼠标左键单击一下，会出现一个红的R字，表示是录音状态，在Chn处填入通道数，然后选择音色，定好音量，确定好调及拍子，调好速度，单击录音键就可以开始实时录音了。②鼠标输入。光用一只鼠标也能解决音符输入问题。打开MOP中钢琴卷帘窗，那里有“铅笔”、“橡皮”，但这种方法只能一个音一个音慢慢输。③其他MIDI乐器输入。如用MIDI吉他或MIDI吹管等，和MIDI键盘同样的道理，用这些乐器把MIDI信号输入电脑。对照总谱按一个个声部，把乐曲输入电脑后，你会发现你一个人就能完成一个乐队的任务。
　　音输好之后还要对乐曲进行适当的处理，如混响度、合唱度、立体声效果、淡入淡出、速度音量变化等等，处理之后乐曲的效果就会更好。然后保存好乐曲。
　　应用部分
　　准备工作就绪，接下来就可以用于辅助乐队训练了，具体应用有以下几个方面。
　　一、打印总谱和分谱
　　乐曲做好后，它的作用就可以发挥出来了。原来只能把总谱复印起来发给乐手，分谱可能就要抄一下了。现在我们利用打印机随时可以打印总谱和分谱。
　　打开音符编辑窗，单击Transctibe键，填上曲名、作者、版权，选择要打印的音轨，若打印总谱则全部选择，若打印分谱则按声部确定。单击ok键就可看到漂亮的乐谱，单击Print键就开始打乐谱了。因为铜管乐器是移调乐器，这样就需要针对不同的乐器调整调号及音调。如一首bB调的曲子，录制时按实际bB调的音录，但作为小号的谱应该是C调的，这样就需要把这一轨定为C调，回到音轨-显示编辑窗，先把调号改为C调，然后在Trans一栏中升2，播放出的声音就可以变为是C调，这时乐谱也符合要求了。总谱和分谱符合要求的时候由于乐曲的调不统一，听去会觉得乱七八糟。为了方便，可以把这另存为一个文件专供打印谱子之用。
　　二、利用放音功能感受乐曲整体效果
　　练习新谱时我们最好能给乐手听听录音，让他们对乐曲的基本情绪、风格、速度、音色特点等等有所了解。但有时我们手头有谱子，却没有音响资料，这时MOP上做好的曲子就可起很大的作用了，虽然没有真实乐队演奏的那种效果，但听去的确还不错的。
　　播放乐曲很简单，打开MOP，显示空白的音轨-显示编辑窗，单击File，在下拉菜单中选open,在弹出的窗口中选中乐曲文件名，按确定键，文件就打开了，点按放音键乐曲就开始播放了。
　　三、利用独奏功能，听每个声部演奏
　　作曲软件播放时既可全部播放也可每个轨道单独播放，这样我们就可以听听这首乐曲的每一个声部是怎样演奏的了，比如长笛是怎样吹奏的，小军鼓的鼓点是怎样的等等。
　　在音轨-显示编辑窗中有独奏的略写“S”，在需要听的一轨中对应的空格中用鼠标左键单击一下，空格内出现红的“S”，再按放音键时就只听到这一轨独奏了，单击另一轨对应的空格可听另一轨的独奏，相当于每一个声部都有示范演奏，想听几遍都可以，不象人示范要吹累，而且指导老师一人能把每个声部都较好地示范演奏的不多。
　　四、利用静音功能，听不同声部的配合
　　乐队演奏最关键的是配合，利用作曲软件辅助乐队训练在这一点上确实能起一定帮助作用。它不但可以演示不同乐器配合的情况，还可以演示同种乐器配合的情况，例如圆号这个声部若采用一个轨道输入的，则

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:49:00

谈谈midi制作中鼓轨的制作方法 在MIDI制作中，无论乐曲是流行音乐，摇滚乐，爵士乐，还是芬克等等，鼓轨的制作都很重要，因为，鼓轨是整个乐曲的节奏框架，是主要节奏乐器，作这样的乐曲，最先做的轨应该是鼓轨。 鼓轨又分套鼓轨和其它打击乐器轨。制作鼓轨的分轨要视MIDI系统的情况而定，能做鼓轨的音源越多，鼓轨的平衡和混音就越好做，音色的选择就越多。但是今天我就讲讲最难做的只有一个音源一个通道的鼓轨作法，这个会做了，多通道的鼓轨作法就更容易了。 　假定你的声卡音源是在端口一（PORT 1），你的鼓轨在声卡的第十通道（channel 10)，我们先在音序器软件（如CAKEWALK）中打开若干轨，都设定为PORT 1的CHANNEL 10，这样我们就获得了在同一端口下的同一MIDI通道中的若干个逻辑轨，做的越细，开的逻辑轨就要越多，甚至每一个打击乐器都要开一轨。不过，一般用以下的分轨方式就可以得到较平衡的逻辑轨了。 1.BASS DRUM（脚大鼓），2.snaredrum(军鼓)， 3.HI-HAT（小立钗），4.SYM（各种吊钗），5.TOM-TOM（通通鼓），6.CONGA（康加），7.TAMB-CLAV-COWBELL-TRIA（铃鼓，响棒，牛铃，三角铁），8.其它。这样的分逻辑鼓轨的方法，八轨就可以了。 　第一步做BASS DRUM和SNARE DRUM，这两个鼓最好同时做，因为这是构成基本节奏的两个乐器，以错开为主，不能奏同一节奏点，这是一个原则，除非你有特别的设计（如TANGO节奏，进行曲等），四四拍一般两个小节为一个循环，少用一个小节不断反复，同一节奏型也可在第二小节比第一小节做一些小的改动，比如在最后一拍加一记脚鼓或军鼓的小碎点，还有一些方法比如，第二小节的第一正拍不做脚鼓等，总之两个小节的不同之处要明显而有创意； 　　第二步做小立钗，要考虑到真实演奏的效果，在军鼓通鼓点密集处要错开使用或不用，如果脚鼓军鼓构成的基本节奏型较工整，小钗可节奏碎一点，比如出现一些前后十六分音符和小切分，如果基本节奏型切分较多或不太方整，小钗要均匀等值些，比如持续八分音符或十六分音符；还有小钗力度要有不同，不要一直是一种力度，比如可以做一记强一记弱。 　　第三步做吊钗，大钗使用一般性原则一是在通鼓后的强拍，二是强化旋律中的强音，三连音等，三是在有的节奏型中强化脚鼓或军鼓，钗顶的音色有时可代替小立钗用，有时可根据需要选用中国钗的音色，碎钗选用一种延时较长的钗声，用分步录音的方式，再修改力度，吊钗的音色可多选用几种，尤其在较大密度使用时，不要给人感觉你只有一面大钗， 　　第四步做通鼓，一般用于FILL IN，有时低通可用来当民族大鼓打，高通可以当康加打， 　　第五步做打击乐器，铃鼓的用法有几种，一可用于强化军鼓点，二可单独用于代替军鼓的节奏，三可用于强化立钗点，用法同立钗，四可用滚奏的方式，康加的用法原则是弱奏用来打节奏，强奏用来错开基本节奏型，也就是说强音不要与军鼓和脚鼓重复，三角铁的用法同立钗，还可强化节奏的音头。 　　由于所有逻辑轨都使用同一MIDI通道，所以音量值（VOLUME）和声像值（PAN）是一样的，动一轨就是动所有轨，所以音量平衡就使用力度值（VEL）来调，今天就说这么多，请大家来补充，特别是鼓方面的高手，毕竟我不会打鼓。 一种方法是实录（REAL），也就是用键盘弹，可以打开若干轨，但都使用同一音源的同一通道，比如都用第十通道（一般都是这个通道），这样你可以在不同的轨里录不同的乐器，比如先开一轨录底鼓（BASS DRUM）和小鼓（SNARE DRUM），再录一轨小钗（HI HAT），再录一轨通通鼓（TOM），再是大钗（SYM），后是小打（PERCUSSION），小打要是复杂的话再分几轨录。还有一种方法是步录（STEP），也就是点有小脚印的那个钮，这个方法比较适合用来做快速且等长的音符，如连续十六分音符的小钗，还适合用来做滚奏，如小鼓，大钗的滚奏，选择时值密一点的值，如三十二分音符，三十二分音符三连音等。在五线谱上点也是一个方法，如果你对键盘演奏没有信心的话，这种方法最大的好处就是可以边听边改，如果你不太会编鼓，可以先用BAND IN A BOX等自动编曲软件生成一个文件后，再编其它声部

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:51:00

电脑音乐制做并非键盘乐手的专利 如果你是个吉他手，你大概不会想到自己动手做电脑音乐吧。其实你用手中的乐器再加上一个MIDI转换接口和一台电脑完全可以帮你完成全部的音乐制做，而且决不会比键盘制做得差，别忘了，你还有一个极大的优势！你的吉他声部完全可以用真声录音。怎么样！很诱人吧。

下面我们就来看看该如何使用这些设备。

第一步！
知道该做什么？当然是花钱嘛！爽！！！
但请记住应该用最少的钱办最多的事情（这是本师傅的名言，请抄下来贴在你的电脑上），那么到底要花多少钱呢？其实并不多。

一. 电脑一般说来需要的配置是：

CPU ：奔腾 166MMX 以上
硬盘：2G 以上
内存：32M 以上
声卡：16位（目前推荐 CREATIVE AWE64 VALUE）
价格大约在5000RMB以下

二. MIDI转换接口：

目前国内常见有两种
Roland 价格：5000RMB左右
YAMAHA 价格：5000RMB左右

三. 音源：

看你的财力，如果不买音源而直接用声卡内的也可以，只需再多花三四百圆买一块声卡的专用DRAM即可，至于音色你可以用CREATIVE附送的Emu-8000的音色，如果还不满意，你可以自己制做。

四. 连接线:

你需要的连接线分三种:
1.MIDI连接线
这种线的两端是标准 MIDI 插头。由金属外圈包着五根半圆形排列的金属针。这种线主要用于 MIDI 设备之间的连接。
2.MIDI - PC连接线
这种线的一端是插在声卡 JOY STICK 接口，另外由三根线，其中一根是用来插 JOY STICK 而另外有两根线引出 MIDI 插头，一根 MIDI IN，另一根 MIDI OUT。这种线主要用来连接计算机与 MIDI 设备间的连接。
3.音频线
常用的音频线，单声道线用于吉他与效果器的连接，立体声线用于效果器与声卡的连接。

五. 软件：

目前国内最常用的是Cakewalk Pro Audio 各种版本

看过价格，还不算贵吧！如果你Cakewalk操作熟练，那么你可以使用鼠标和键盘在电脑上完成MIDI部分，然后你就可以用声卡的LINE IN 接口录制你的吉他声部，它有多轨音频处理功能，完全可以满足一个乐队的乐器配置及主唱与和声。换句话说，在录音棚里所做的一切完全可以在家里完成。如果再配合一些音频处理软件，完全可以作出 U2，PINK FLOYD，DURAN RUAN
等乐队的风格。

接下来该把这些设备连接起来了。

1.把你的声卡插入计算机底板的ISA 插槽，一般来说在你底板上有许多插槽，但可以插的槽只有一种，试试看！记住声卡有接口的一边应在机箱背部，这样就只有一种插法，把 CD-ROM 的音频输出与声卡的音频输入用音频线连接好，相信你一定能插好。别忘了，插声卡时要把电源关掉。

2.打开计算机电源，一般来说目前大多数声卡都是PnP 卡（即插即用）WINDOWS 95 会自动检测硬件及其类型，当它提示你已找到硬件且准备开始安装时，你就可根据它的提示一部部往下操作，直到完成。一般不会有问题。

3.如果你买了MIDI转换器，那么你就把拾音器按说明书上讲的方法固定在琴弦下，拾音器的输出端有一13针的输出口，在你的转换器上也有相同的接口，查一查你的附件，用13针的连接线把他们连起来。

4.在你的MIDI转换器上还有一个MIDI OUT接口，现在你需要一根计算机专用的MIDI线。这根线一段接在声卡的JOY STICK 端口，另一端的MIDI IN 接在MIDI转换器的MIDI OUT 接口。

5.把你的吉他效果器的LINE OUT（MONO）口用线接入你声卡的LINE IN端，不过需要一个转换插头。连接线和转换插头在一般店里都有。这样连接是单声道的，如果你想接成立体声的话，就需要自己制做一根了。

6.把你的麦克风插入声卡的MIC IN接口。这也需要一个普通转换插头。

7.把你监听音箱接入声卡的LINE OUT接口。

8.安装Cakewalk软件。在光盘的该软件目录下双击"SETUP"图标。然后请跟着提示往下做，直到完成。这样你就完成了设备的连接工作。

下面来检查一下你的接线是否能正常工作。请按步骤检查。如有故障请排除后再往下检查。

1.检查监听音箱

放一张 CD 在 CD-ROM 中播放，如能正常播放，则说明监听正常，如不能，请检查监听连线，和声卡的音频接口是否正常。

2.检查吉他音频输入

吉他与效果器正常连接，接通效果器电源，弹奏吉他，如有声音（不管是好是坏，如声音不好，请参看〈录音技巧〉），则说明吉他音频输入正常。如无声，请检查此线路。如线路连接无误，请双击"我的电脑"打开"控制面板"，选择"多媒体"，在"音频"一栏中选中"在任务栏上显示音量控制"，此时在屏幕右下角会出现一小喇叭。关闭所有已打开窗口。双击它，出现"Volume Control"面板，检查是否有"Line In "，且被选中。如没有，请单击"选项"菜单，选中属性，在属性对话框中点黑"回放"，在"显示下列音量控制"框内选中"Line In" ，单击"确定"。

3.检查麦克风输入

如果监听有声音，说明麦克风正常。如有故障，检查方法同"检查吉他音频输入"，检查"Volume Control"面板中是否有"Microphon"如没有请单击"选项"，单击"属性"，选择"回放"，在"显示下列音量控制"框内选中"Microphone"，单击"确定"。

4.MIDI转换设备

请打开Cakewalk软件，鼠标单击"REC "图标，弹奏吉他，

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:53:00

非创新声卡MIDI音色库使用全攻略 众所周知，创新声卡一向以SoundFont技术引以为豪。只要你有足够的内存，你可以加载内存一半大小的音色库，Audigy出世后，这一数字更是攀升到系统内存减去32兆，最大4GB的惊人数字。而且更加诱人的是网上的SoundFont音色库太多了。但是，一块创新声卡价值不菲，最便宜的Audigy也要980大圆。穷苦的DIYer们不一定买的起，那么，有没有什么替代办法呢？

●乾坤大挪移——Awave Studio

　　俗话说得好，条条大路通罗马。我们的第一条路就是设法将SoundFont转换为微软的软波表格式——DLS2. 这样我们可以通过Direct X 8.0内置的软波表来回放MIDI。 AWAVE Studio这个软件可以做到这一点。这个软件的最新版本为7.3。安装后在程序列表中选择Awave Studio Batch Converter。出现如图： 选择第一项 convert “waveforms”，点击下一步，出现如图：
点击add files,在文件类型中选sf2 – Emu Sound Font，然后点击你需要转化的SoundFont音色库文件，点击下一步。如图：
在output format中选择 DLS - DownLoadable Sounds level 2，然后选择好输出后文件存放的路径。需要注意的是，在这个过程中你还可以加上其他效果。点击完成，就会开始转化，完成后把文件名改为GM.DLS，放入系统目录（C:WINDOWSSYSTEM32drivers）就可以了，在这个步骤之前，你必须确定已经装了DX8.0了。最后在选择MIDI设备是要选择Microsoft synthesizer。放些MIDI听一听，效果是不是好了许多？

●华山论剑：Reality Vs Audio Compositor

　　说实话，Awave Studio转换后的效果虽然不错，但是仍旧比不上SoundFont，而且转换后容易乱，各种乐器层次不清。那么，有没有比较完美的方案呢？下面我来介绍两位重量级选手，一位是被誉为“20世纪最佳软波表”的Reality。另一位是后起之秀，新一代的霸主——Audio Compositor。这两个软件都是专业软波表。什么是专业软波表？我们知道，普通的软波表如YAMAHA,ROLAND在发音时都是有延迟的，一般都是几百毫秒，这点在放MIDI时不明显。但是对作曲来说，普通的软波表按键后需要一段时间才能反映，也就是不能实时响应，这点是不能忍受的。而专业软波表延迟时间极短，一般只有几毫秒，基本上是实时的。而且这两位都可以直接读取SoundFont音色库。下面我们先看一看Reality。

　　Reality是一个拥有16音轨合成，多复音，允许用户自己装载和编辑音色的一个软音源合成器。最新版本是1.56。你只要运行Reality，在菜单中选择打开音色库，然后指向你想要加载的SoundFont音色库，定义它的音轨号码，点击保存后退出。Reality会自动生成一个专有音色库内存。这样做的最大好处是你可以自己选择音色库中的音色，选好后可以拼成一个你心目中完美的音色库，而且过程相对简单。怎么样，非常迷人吧! 有许多朋友运用此法组成了自己的梦幻音色库，大概因为这个原因, Reality才被称为“20世纪最好的软波表”。成功之后，你会发现，你可以省下买Live!的钱了。

　　Audio Compositor原本作为一个编辑音色库和MIDI转WAVE的工具出现的，但是经过笔者的使用，发现它最强还是在软音源上。它对SoundFont音色库的支持比Reality好。具体步骤是：首先选择File中的Open MIDI File。打开你想要放的MIDI。如图：
然后会出现如图：
最底下有几个选项卡，在Instrument/MIDI input中的Instrument file中选择你想要的音色库，加载它，然后点击Audio output，出现如图：
这里注意在to fil前不要打上钩，一定要在To soundcard 前打上勾才行。然后点击播放就可以了。怎么样？效果如何？笔者的感觉是和Audigy的效果差不多了。有时候可能放MIDI时有爆音，这时只要把Level值调低一些就可以了，你还可以为你的MIDI加上效果器。

　　下面对比一下两个软件。在消耗资源方面，这两位都是大户，笔者认为想要播放复杂的MIDI（一般指复音数大于32），没有800Mhz的CPU是不行的。相对来说，Audio Compositor稍微好一些，消耗资源要比Reality少。在兼容性上，Reality有着致命弱点。首先，Reality只能在Windows 95/98下使用，Windows XP肯定不行，而且已经停止版本更新，这样再过两三年的话，等XP普及以后，恐怕…… 其次，Reality对SoundFont音色库很挑剔。必须是GS/GM格式的，如有例外或是某一件乐器不合乎规范一律拒绝。在这方面，Audio Compositor做的很好，没有任何此类问题。音质方面，同一音色库回放上，差异不大。但是Reality更自由一些，可以自由组合音色库，这又是Audio Compositor不能比的。综合考虑，笔者还是推荐Audio Compositor，至少在Windows XP下可以正常使用。

●另辟蹊径——GIGA Sampler

　　Giga在英文中有巨大的意思。Giga在这里正是用了这个意思。为什么用这个名字？我们知道，一般声卡的波表容量很小，只有几十兆，专业合成器也不过如此。可是Giga的波表容量是以GB来衡量的，注意，看清楚，不要怀疑笔者打错了，是GB，不是MB！让我们看一看Giga的惊人指标吧：最大支持4GB的单个乐器采样（GM规定了128种乐器，这就意味

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:54:00

活用GM音色 大部分做MIDI音乐的人，都在工作室中必备一款GM格式的音源。然而通用 MIDI格式一向不为高级MIDI用户青睐，因为它只有128个规定好的音色。对水平高些的MIDI制作者，似乎不利于发挥出“水平”来，也听到一些MIDI玩家对GM短处的谈论。GM确实有它的局限，只有128个音色，序号都是规定好的，我们甚至可以对这些名字能倒背如流，许多电脑音乐发烧友们以拥有更多的非GM格式音源作为专业档次的标准。然而，GM却无处不在，俯首皆是。恐怕区分专业与非专业的界限也不在于使用的是GM格式还是非GM格式，--关键在于，如何把手头上已有的音色用活，把音源中的音色充分发挥。如果制作的音乐不是百分之百或绝对实验性的，就离不开GM音源格式，因为在回放流行音乐时，GM音源带有差不多全部所需的基本乐器。在千差万别的音色中，GM与它的名字一样，成为最普及的标准。通常，比较便宜的声卡上都有GM 格式，可以准确回放MIDI乐曲，我们往往在这种声卡上听到的音乐，效果都不太好，有时还或多或少伴有声卡导致的噪音，但这不是GM音源造成的。事实上，制造商们可以把GM声音做的象你所能想到的那样漂亮。--尽管无论是在声卡上还是合成器上，同样序号的GM音色都无一例外地规定为同样的音色，但一块声卡上的钢琴音色的品质和一块顶级的GM音源上的钢琴音色相比，却相去甚远。在GM格式致关重要的128个音色中，评价其优劣的标准时，较少选择诸如“电话铃”“鸟鸣”“直升飞机”之类的音色来下一个定论，这类合成音色使用的相对少些，但听过象钢琴、电钢琴、贝司、吉他、弦乐、风琴、铜管、木管、传统合成音色和打击乐之类的重要基本乐器，品质上的不同一览无余，应该足以给音色质量下个结论了，就不用再说合唱、混响之类的效果，在品质高些的音源中，这些效果对音色的润饰会使音色的色彩更丰富。有些GM音源上，还带有GS和XG格式，可以通过选库改变原始的GM设置，这样，在一块GM音源上，还可以有更多的音色选择。
让我们暂时先假设您不想做流行音乐--您感兴趣的是当前风摩一时的基于电子音色的电子舞曲音乐，或者与之相类似的某种风格的音乐。那么还用的着GM吗？答案是肯定的。大多较好的GM合成器都带有包络控制、谐振滤波器、LFO震荡器、滑音等等，如果您还没有更丰富的波形、更多模拟音色的音源可以选择的话，使用这些GM中的控制在结构上都与模拟合成的方法很接近，只要对GM音色中的波形做些小小的编辑，就能产生丰富的“模拟”风格的声音。在原始GM音源上，甚至在便宜的声卡上，通过数字滤波所产生的这些音色都非常有意思，稍有一点经验之后，会发现GM合成器要远比它基本音色库中的128个GM音色要神通广大的多。这也是本文将几个GM音源使用的小技巧整理在一起的动机，虽然，只有20个，但就象前面提过的，GM音色有相当多的使用方法，更多是在这里没能收入的，您可能在音序的事件列表中，看过在一首MIDI作品中使用了大量的MIDI控制器信息，这些信息通常都是用来调用、修饰音源中的音色的。很欣慰用这些手段，即使在普通的声卡上也能产生一些别致的音色出来。当然，这里不是建议只把自己局限在GM音源和声卡的范围内--在这个圈子里，大部分人都收集有很多不同的音源，有各种音色，甚至是超越时代的--但总是按厂家做好的特定方式来使用，听久了免不了产生单调和乏味的感觉，本文在于让读者理解，这些音色其实只要做一点简单的编辑、一点小小的技巧，比如叠加一下或者做些微调，就可以产生新的音色。在此举GM音色做例子，确为“麻雀随小，五脏具全”，通过对GM的掌握，把这种思维运用到更多的音色合成中。
1. 在选择一款GM合成器之前，聆听所能找到的尽可能多的不同型号的GM音色，一般不同的制造厂家生产的音源都带有不同的音色特征。例如，Roland的音色比较温暖、丰富而Yamaha的音色较活跃、前卫。比较昂贵的音源通常ROM中预装有更多的波形，大多都是很优秀的采样波形。如果有选择余地的话，选择尽可能多的复音数，在实际应用中，多音色有很重要的意义（尤其是对繁忙的打击乐声部）。

2. 在使用诸如古典吉他或电吉他音色时，单开一个音轨加一点手指接触琴弦时的噪音是个不错的主意。别以为这只是噪音或者只会使演奏听起来凌乱，只要只用的恰如其分，这些修饰会让音乐听起来更生动更具有说服力，听起来象真正用吉他弹的。还有，试试象一个真正的吉他演奏家那样来演奏吉他声部--不要只是一味地弹奏普通钢琴上的和弦转位。可以在MIDI文件的磁盘中找到许多指拨吉他和弦的例子，如果不能确定自己如何制作，看看他们是怎样做的。

3. 在演奏无品贝司声部时，用弯音功能使音符以相同的方式从一个音圆滑地连到下一个音，这种手法更贴近于用真实乐器的演奏，最好再加入一点颤音（用调制轮）。如果不能确定在同一个音轨中可以做的满意，可以按如下的方法：首先在一个音轨中录下基本音符，然后在另一个音轨中录下相应的弯音和颤音信息，一旦自己觉得满意了，再将这两个音轨合并在一起。

4. 在演奏传统贝司声部时，在不同的音轨中加入一点低音和声会让音乐听起来更有意思，还可以加点拨弦和击弦贝司的音色来

冯兵 · 发表于 2005-6-26 21:55:00

乐器音色列表 为了方便大家查找，我把GM音色库和打击乐列表于下。

音色号 Instrument 乐器
 PIANO 钢琴类 
1 Acoustic Grand 平台钢琴
2 Bright Acoustic 亮音钢琴
3 Electric Grand 平台电钢琴
4 Honky-Tonk 叮当琴
5 Electric Piano 1 电钢琴1
6 Electric Piano 2 电钢琴2
7 Harpsichord 大键琴
8 Clavinet 古钢琴
 CHROMATIC PERCUSSION 半音阶打击类
9 Celesta 钢片琴
10 Glockenspiel 铁琴
11 Music Box 音乐盒
12 Vibraphone 抖音琴
13 Marimba 立奏木琴
14 Xylophone 柔音木琴
15 Tubular Bells 管钟
16 Dulcimer 扬琴
 ORGAN 风琴类
17 Drawbar Organ 爵士风琴
18 Percussive Organ 敲击风琴
19 Rock Organ 摇滚风琴
20 Church Organ 教堂风琴
21 Reed Organ 簧风琴
22 Accoridan 手风琴
23 Harmonica 口琴
24 Tango Accordian 探戈手风琴
 GUITAR 吉他类
25 Nylon String Guitar 古典吉他
26 Steel String Guitar 民谣吉他
27 Electric Jazz Guitar 爵士电吉他
28 Electric Clean Guitar 电吉他
29 Electric Muted Guitar 闷音电吉他
30 Overdriven Guitar 浊音电吉他
31 Distortion Guitar 变音电吉他
32 Guitar Harmonics 和音吉他
 BASS 贝司类
33 Acoustic Bass 原音贝司
34 Electric Bass(finger) 手弹电贝司
35 Electric Bass(pick) 匹克电贝司
36 Fretless Bass 颤音贝司
37 Slap Bass 1 重贝司1
38 Slap Bass 2 重贝司2
39 Synth Bass 1 合成贝司1
40 Synth Bass 2 合成贝司2
 SOLO STRINGS 弦乐器
41 Violin 小提琴
42 Viola 中提琴
43 Cello 大提琴
44 Contrabass 低音提琴
45 Tremolo Strings 颤弓弦乐
46 Pizzicato Strings 弹拨弦乐
47 Orchestral Strings 竖琴
48 Timpani 定音鼓
 ENSEMBLE 合奏
49 String Ensemble 1 弦乐合奏1
50 String Ensemble 2 弦乐合奏2
51 SynthStrings 1 合成弦乐1
52 SynthStrings 2 合成弦乐2
53 Choir Aahs （啊）诗歌
54 Voice Oohs （喔）语音
55 Synth Voice 合成人声
56 Orchestra Hit 打击交响乐
 BRASS 铜管乐器
57 Trumpet 小号
58 Trombone 伸缩号
59 Tuba 低音号
60 Muted Trumpet 闷音小号
61 French Horn 法国号
62 Brass Section 铜管乐
63 SynthBrass 1 合成铜管1
64 SynthBrass 2 合成铜管2
 REED 簧乐器
65 Soprano Sax 低音萨克管
66 Alto Sax 中音萨克管
67 Tenor Sax 次中音萨克管
68 Baritone Sax 上低音萨克管
69 Oboe 双簧管
70 English Horn 英国管
71 Bassoon 低音管
72 Clarinet 单簧管
 PIPE 吹管乐器
73 Piccolo 短笛
74 Flute 长笛
75 Recorder 直笛
76 Pan Flute 排笛
77 Blown Bottle 吹瓶声
78 Skakuhachi 尺八萧
79 Whistle 笛哨声
80 Ocarina 陶笛
 SYNTH LEAD 合成音
81 Lead 1 (square) 方波
82 Lead 2 (sawtooth) 锯齿波
83 Lead 3 (calliope) 诗歌
84 Lead 4 (chiff) 合成吹管
85 Lead 5 (charang) 合成电吉他
86 Lead 6 (voice) 人声键盘
87 Lead 7 (fifths) 五度合音
88 Lead 8 (bass+lead) 贝司前奏
 SYNTH PAD 
89 Pad 1 (new age) 新时代
90 Pad 2 (warm) 温暖音
91 Pad 3 (polysynth) 合音
92 Pad 4 (choir) 合唱
93 Pad 5 (bowed) 弹弓
94 Pad 6 (metallic) 金属
95 Pad 7 (halo) 光耀
96 Pad 8 (sweep) 横扫
 SYNTH EFFECTS
97 FX 1 (rain) 雨声
98 FX 2 (soundtrack) 音轨
99 FX 3 (crystal) 水晶
100 FX 4 (atmosphere) 大气
101 FX 5 (brightness) 明亮
102 FX 6 (goblins) 倩女幽影
103 FX 7 (echoes) 发音
104 FX 8 (sci-fi) 科幻
 ETHNIC 民族音乐
105 Sitar 西塔琴
106 Banjo 五弦琴
107 Shamisen 三味线
108 Koto 十三弦琴
109 Kalimba 卡利玛钟琴
110 Bagpipe 苏格兰风笛
111 Fiddle 古提琴
112 Shanai 唢呐
PERCUSSIVE 敲击乐器
113 Tinkle Bell 叮当铃
114 Agogo 阿哥哥鼓
115 Steel Drums 钢鼓
116 Woodblock 木块
117 Taiko Drum 日本太鼓
118 Melodic Tom 古高音鼓
119 Synth Drum 合成鼓
120 Reverse Cymbal 钹
SOUND EFFECTS 特殊音效
121 Guitar Fret Noise 磨弦
122 Breath Noise 呼吸
123 Seashore 海浪
124 Bird Tweet 鸟鸣
125 Telephone Ring 电话
126 Helicopter 直升机
127 Applause 拍手
128 Gunshot 枪声

--------------------------------------------------------------------------------
打击乐器

note 音色名 No.
35 Acoustic Bass Drum 低音合成鼓 1
36 Bass Drum 1 低音鼓1 2
37 Side Stick 小木棒 3
38 Acoustic Snare 合成蛇鼓 4
39 Hand Clap 拍手声 5
40 Electric Snare 电子弦乐 6
41 Low Fl

账号		自动登录	找回密码
密码			快速注册

[转帖][推荐]学电脑音乐必看

点评

点评

点评

点评

点评