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浅谈关于作曲的一些小技巧之一 作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。也有一些人完全按照感觉来写。诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。小生写的不当之处，恳请各位高手指正。 流行歌曲创作： 1：先有词后有曲。 2：先有曲后有词。 这里我只谈第二种情况，即先曲后词。 一：倒影。 就像你在河上，看到河里自己的影子。如：33345 33321 在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。这样写出来的旋律，不会很散。 二：模进。 模进分严格模进和自由模进。 严格模进要求各旋律音程之间完全一样。旋律线条也要完全一致。如：3323 2212 自由模进则没有这个限制。如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同） 三：重复。 重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。（注意，重复也是同度模进） 四：对格。 艺术都是相通的。在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。然后依次类推。如：123 312 234 465 大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。 五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。 1：疏密有致。在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。这样眼睛才不会累。同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。 2：有深有浅。国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。 最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。 六：变音。 变音一般而言就是升降音符。用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。 我想举几个例子来说明。罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。 七：关于调式的运用。 在古典音乐里，什么调抒发什么情感，是明亮的，是灰暗的，是雄壮的等等，都有严格要求，一般不会变化。 但在流行音乐里，就没有这种限制了，一般定调是根据歌手的音域来的。男歌手一般最高音定在G上。(钢琴上叫小字二组G，吉他上是第一弦的第三品)。如果太高，降一度也够了。女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。吉他是第二弦空弦)。太高的话也降一度。 但，这个不是绝对的，只是一个大致的范围，帕瓦罗地这小子，据说可以唱到高音#C。乖乖，大家可以在琴上感觉一下，钢琴是小字三组的#C，吉他是第一弦第九品。第九品啊，我到第四品就要用假声了。呵呵。好象林志炫，孙楠也都可以唱到HIGH C，也是很厉害的男高音。呀，我扯到哪去了?不好意思，言归正转。 调性上对比是非常有趣的，也是非常好玩的。一首歌前面如果是小调，后面改用大调。前面如果是C调，甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调)，都是可以的。可以让听众耳朵一亮。但请不要忘记，调是为歌服务的，转调是为了更好的抒发情感。所以不管你转成什么怪调，一定不能为了转而转。 举几个例子:齐秦的大约在冬季，他在第一段开头用大调(1开头)，结尾是小调(6结尾)，副歌部分也是小调，就很好的抒发了作者面对离别是的情绪。还有罗大佑的你的样子，主歌是B小调，副歌转成#C小调(好象是，具体忘记了)我听过最夸张的是罗大佑写的思念，如果主歌部分是天使的话，那么副歌就变成魔鬼了，简直不是一首歌，好象是两首歌拼出来的，但能拼成他那样，也是高手中的高高手了。 张国荣的共同度过，相信大家一定听过，本来旋律并非很出彩，副歌部分也是一般，但作者(是个小日本，名字忘记了)，连续用了四个转调，把感情全部唱出来了。不敢想象，如果这首歌一个调从头唱到尾的话，5分钟的时间，大家恐怕就要睡着了。 转调在间奏里也用的比较多，还有离调，但这是遍曲的范围，要说的话，一年也说不清楚。所以这里就不详细说了。只是一点，如果间奏忽然转调了，那么在结尾的时候，一定要再转回原调，否则歌手不能唱了。调性也乱了。 还有一个很有趣的现象，在很多书中，几乎99%的音乐书里，都说结尾一定要5级和声转到一级和声，就是C调的话，结尾一定要从G到C才可以。不然不及格。但有不少歌曲里面结尾并不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在听觉上非常新鲜。还有G到G增和弦。就是(5 1 2)也非常新鲜。有一种意犹未尽的感觉。大家可以试试。 关于调式还有很多，印度音乐里，把3和4这一对半音兄弟，再切一半，变成12音音阶。更难唱。光音阶上的变化就有几十种，还分上行和下行，还不包括临时变音，我本人也不是很懂，所以各位就马马虎虎看看算了，也希望懂的人进来说说。我就不献丑了。 八:关于段落 段落分一段体，两段体，三段体等。比较常见的是两段体和三段。段落可以分为对比和类似。 简单地说，对比就是前面比较舒缓，后面比较高昂。前面比较紧凑，后面比较庸散。从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。从音乐上来的话，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。从而起到对比的作用。在编曲上可以更明显的看到。一般副歌部分总是比较高潮。而前面总比较缓慢。但这不是绝对的。任何艺术创作都不是绝对的。你也可以安排整首歌都是一个样子，写的好的话，也是可以的。 一段体大多都是小歌，如兰花草，雪绒花等等。学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。如果写的好，那也是非常精致的东西。但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。 现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英大姐的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等，大家可以听听看。在音乐里的作用嘛，括号里都写了)，关于起承转合的东西，下一讲再说把。 这里插一句，有一个很有趣的现象，数学里面有黄金分割点，大概是四分之三左右（０.６１８）。按照美学里的观念是最完美的点。同样道理，也可以用到音乐上来。一首三分钟的歌，在黄金分割点上，大概２分多钟的时候，总是一个歌最最好听的时候，很多高潮部分，也是一首歌最最精华的部分，９０％以上，总是在黄金分割点的时候出现。在编曲上尤其是这样。黄金分割点，也是最容易打动听众的点，也是最容易渲染感情的点。在我们平时聚会时，一半已经过去，再聊一会儿，就是最容易起高潮的时候。打麻将也是这样，差不多要结束时，往往就是翻翻最多的时候.........天那，我说到哪里了？怎么说到麻将上去了？对不起对不起。我们重新回来。 九:关于乐句。 乐句，顾名思义，就是句子。在文学中，有诗词歌赋，规定了字的格式和数量，在音乐里，名字就差了些，没有那么好听。幸好也没那么多的规定。一般有aaaa aaba aabc abcd等等比较常用。还有不规整的三句式的，如张宇的用心良苦就是三句式的。还有五句的，六句的，七句的，比较少。 四句的我们可以把他看作为诗中的起承转合。开头就是起，一般都是有音乐动机组成的，是写歌的一个动机所在。第二句就要发展了，具体发展因人而异，具体手法可以看上篇。第三句就是转，是主歌部分最精华所在，转的好不好，就是一个歌好不好了。很多优秀的音乐人都在这里大做文章。 如果前面两句用上行旋律比较多的，第三句一定不要用，改成下行。前面如果旋律比较平和，到这里，一定要写的凹凸些，就象美女的线条，呵呵。用一些变音什么的，节奏改一些，也是非常常见的手法。 第四句叫合。是前三句的总结，有人把第一句照搬，那是最简单的办法。也有人把前面三句用到的动机，整合在一起作为第四句，也未尝不可。实际上，创作手法是多样化的，主要看情绪发展，你想表达什么。 十：关于曲和词的结合。 １切忌倒句。 汉字有本身的发音，１２３４声，念的时候，大家都严格按照发声的，上入声，本来也包含了音乐成分在里面。如果没有按照发声规律念，很容易就变成另外的意思了。而在音乐创作中，这是最最最最忌讳的，我这里用了四个最，可见非同小可。怎么说呢，大家可能还是一团雾水。我举几个例子把。 我以前读书的时候，老师就讲，有一个写词的，写了句：雨天，我把你画在窗上。本来是很优美的，雨天有雾气，作者用手指把思念的人的样子画在窗上。很美的感觉。请注意，窗是第一声。可后来写曲了，那个作者写成旋律，一唱，大家都听成：雨天，我把你画在床上。床上？在床上画思念的人，那不变成自慰了？ 郑秀文有一首歌，名字忘记了，歌词里有句是：你是我的主打歌，写曲的也用了倒音，把原本汉字的发声全部取消掉了，很容易让人听成，你是我的猪大哥。事实上，我一开始听也以为是猪大哥了。 ２：风格一样。 词的感觉明明是摇滚的，曲子却写成民谣的，那听上去感觉一定不行。曲子是古典风味的，而词的感觉却是很现代的，那感觉多别扭？齐豫以前有盘专集，曲子都是从古典音乐里出的，从新填上词唱，感觉总不好。因为那是人家为器乐而写的曲子，改成人声了，一定不好。有倩女幽魂大家一定听过，曲子非常典雅的五声音阶。如果把词改成ＨＩＰ－ＨＯＰ的说唱，大家可以想象要有多难听就有多难听。 十一，最高境界。 鲁迅先生说过，文学的最高境界就是，添一字嫌太肥，减一字嫌太瘦（大概这个意思），就是说，好的文章，你一个字都不能增减。好的曲子也是一样。加任何一个音符进去，你都觉得不好，删除任何一个音符，你都觉得不对，到了那个时候，就是曲子最完美的时候。 你试着把巴赫的复调加音符进去，你就会发现，你加在任何一小节，其他地方都要作很大的改动，而改好之后，你又会发现，完了，这还能听吗？完全不对了。这就是这小子的伟大的地方。 但流行音乐有所不同，因为要加歌词。我个人认为，词是为曲服务的。是依附在曲子上的。所以宁可让词牺牲点，也尽量不去改动曲子。可能有很多人不同意我的看法。在创作上，到底是先有曲后有词好，还是先有词后有曲好，多年来争论不休。其实，港台地区，大多数都是先曲后词（他们叫填词）。大陆地区，大多数都是先词后曲。（我们叫写词）这也许是个创作的顺序不同，不应该大惊小怪。 但我个人总觉得，曲子的最高境界还是：添一音嫌太肥，减一音嫌太瘦。不知各位看官以为如何？ | 
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